Affichage des articles dont le libellé est Les centristes. Afficher tous les articles
Affichage des articles dont le libellé est Les centristes. Afficher tous les articles

RADIOHEAD - A MOON SHAPED POOL (2016)

Génération Prozac ...
L’ordonnance est simple : t’écoutes un disque de Radiohead et tu bouffes une boîte de Prozac pour pas aller te pendre. Et ça marche depuis…pff, bien vingt ans.
Faut dire que la famille Tristos du rock se pose là et pas qu’un peu dès qu’il s’agit d’actionner la pompe à chialer et le fumigène à grisaille. Leurs rondelles sont quelquefois écoutables (disques de la décennie disent leurs fans), le plus souvent d’un ennui mortifère (le groupe se cherche, se reconstruit, disent les mêmes fans), mais ces cinq types (six si on compte leur producteur de toujours Nigel Godrich) réussissent on ne sait trop pourquoi à toujours créer l’événement chaque fois qu’ils sortent une rondelle. Le talent, diront leur fans … Eh oh, vous fermez votre gueule les fans, vous commencez à me gonfler grave …
Usual suspects ...
Plus prosaïquement, les Radiohead sont comme tous les types ou les groupes qui durent trop longtemps (un quart de siècle cette année), ils n’ont strictement plus rien à dire. Ni à prouver. Peuvent faire n’importe quoi, il se trouvera toujours des gogos pour les admirer et s’extasier devant leur dernière parution. Sauf que les Radiohead, auxquels on ne peut pas enlever un certain sens des affaires et de la stratégie commerciale, dès lors qu’ils ont compris qu’artistiquement ils n’avaient plus rien à dire (depuis « Kid A » en 2000) sont devenus des cadors en terme de marketing, de positionnement produit comme ils disent dans les écoles de commerce. Des épiciers du Cd à l’échelon planétaire en somme, mettant de leur côté le téléchargement pirate (« In rainbows »), sortant du numérique avant du physique (« King of limbs »), s’amusant aux jeux de pistes via les réseaux sociaux (cette dernière rondelle) … En gros en appliquant à la musique le pitch de « Matrix » (les « terroristes » qui infiltrent la virtualité pour mieux vivre dans le réel). Et ça marche, leurs banquiers sont contents, et leurs fans aussi d’ailleurs.
Le retour des guitares ...
« A moon shaped pool » empeste les fonds de tiroir. Cinq ans se sont écoulés depuis « King of limbs », ça sent le réchauffé, le laborieux. Le dernier titre (« True love waits »), ils le jouent en concert depuis vingt ans. Et peu de choses surprennent, et donc on en tartine des tonnes sur le moindre indice « d’évolution ». Le retour des guitares ? Ouais, mais on n’est pas non plus chez Lynyrd Skynyrd, si vous voyez ce que je veux dire … L’aspect « accessible », ouais, c’est un peu moins lugubre que depuis quinze ans, mais ça risque pas non plus d’intéresser les fans de Patrick Sébastien.
En gros, on retourne vers les ambiances floydiennes qui ont fait leur triomphe à l’époque de « OK Computer ». Le Floyd triste (c’est bien le moins) et évanescent de la seconde moitié des 70’s (« Wish you were here », « Animals »). Avec des attrape-nigauds qui vont faire s’extasier les ravis d’avance. Comme le coup des titres dévidés par ordre alphabétique (comme certains concerts des Pixies d’après la reformation). Comme le premier titre et premier single « Burn the witch ». C’est bien simple, à l’intro, on jurerait un truc de Coldplay (c’est dire si la pompe à fric demeure au cœur du machin) période « Viva la vida », avant que le Yorke s’élève au refrain dans les suraigus (et là, moi je pense direct à Sommerville, le mec à tronche de patate des Communards, et si vous vous rappelez plus ou avez honte de vous rappeler qui sont les Communards, allez vous faire foutre ou les mater sur YouTube). Et tiens, puisque j’ai lancé le nom de Yorke, autant souligner que ce type est capable d’être un très grand chanteur, habitant monstrueusement quelques titres. Dommage qu’il s’entête la plupart du temps à imiter le chanteur du Radiohead « classique », celui qui donne l’aubade pour les enterrements …
Certains Radiohead ont le melon ...
C’est là tout le problème de ce disque. Même pas mauvais, voire un de leurs deux ou trois meilleurs. On a l’impression de banquiers qui sortent un nouveau produit d’épargne. C’est de prime abord attirant, et puis tu t’aperçois qu’en fait, c’est juste pour qu’ils se gavent un peu plus. Ça sent la formule mûrement réfléchie (« faut pas dérouter les clients, faut les surprendre et les intriguer juste un peu  , et l’an prochain on va leur faire les poches lors de la tournée des festivals d’été »), la prise de risque ultra calculée, le retour des vieux qui sont en haut de l’affiche et sont prêts à tout pour pas lâcher la rampe, céder leur place … Comme tant d’autres, d’ailleurs.
Le rock (quoi que Radiohead et le rock pour moi ça n’a pas grand-chose à voir), cette musique de révolte de la jeunesse contre leurs parents, est maintenant faite par des grands-pères cupides à l’inspiration sèche …
Putain, ça y est, ils m’ont foutu le cafard, ces cons …      


Des mêmes sur ce blog :
In Rainbows             


                                                                          

THE VACCINES - ENGLISH GRAFFITI (2015)

Gribouillis ...
Après tout, c’est leur problème aux Vaccines. Ils étaient apparus avec un premier disque plein de morgue indie-rock anglaise au titre interrogateur (« What did you expect from the Vaccines »). Aujourd’hui, on peut répondre : « Plus rien ».
C’est pas que je veuille les défendre, rien à cirer des Vaccines, mais je subodore le deal avec la major, genre « hey les minots, vous vous rendez compte le cul bordé de nouilles que vous avez, être sur une major, avec du fric pour faire de vous des stars, alors les gosses, oubliez les Clash, les Libertines, les Strokes, c’est des trucs bons pour les vieux rockers qui sont tous au chomdu et achètent plus de skeuds, nous on sait, notre métier c’est de refourguer de la zique à qui en veut bien, on va vous dire ce qu’il faut faire, et à vous les bimbos, la coke et les jets privés, on se contentera de 97% des bénefs de votre affaire … ».
Tout ça pour participer au NME Music Awards ?
Ce « English graffiti », c’est la vieille pute sexagénaire qui s’est fait remonter le cul et les tétons, s’est fait injecter du botox partout où y’avait de la place, s’est maquillée comme un poids lourd portugais, et corsetée avec les rebuts de placard de Mylène Farmer, espère trouver des michetons à cent euros la pipe. Sauf que non, c’est trop too much, ça se voit de trop loin que c’est une arnaque …
« English graffiti », on espère pour eux que c’est pas un hommage à Led Zep ou à George Lucas, et on préfère pas savoir à quoi ils font allusion (même si la chanson du même titre est d’assez loin la meilleure du disque, mais ces gougnafiers ne l’ont mise que sur la version DeLuxe ou expended ou un truc du genre …). « English graffiti », ça sonne le rappel de tous les trucs ringards qui ont marché depuis au moins trente ans. Et que la ringardise soit faite exprès (les Cars ou les Pet Shop Boys étant dans deux domaines différents les premiers noms qui me viennent à l’esprit) ou pas (tous les nullards de hair metal, d’euro-electro-synthé pop, tous ces loukoums rances pour heavy rotation sur les college radios, …).
On relève avec tristesse, mais pas étonnement que le responsable de cet amas gluant est David Fridman, que l’on a connu plus inspiré y’a quinze-vingt ans avec les clowns tristes des Flaming Lips, et qui entre reprises risibles de 33T des Beatles ou du Floyd, est devenu un producteur « spécialiste » des vieux synthés « à la mode ». Alors quoi qu’on trouve sur « English graffiti » ? De tout donc, et pire encore. Les choses les moins mauvaises sont au début (comme sur leur précédent « Come of age », d’un calibre très nettement supérieur, malgré – déjà – un parti-pris un peu trop clinquant), la power pop énervée de « Handsome », le trop mignon pour être honnête mid-tempo « Dream lover » avec ses gros emprunts au (on ne rit pas) « Final countdown » de Europe, ou l’hommage ( ? ) aux Ramones « 20/20 » (qui en l’occurrence vaut tout juste la moyenne, parce que les Ramones n’ont jamais foutu de saxos ou de synthés dans leurs morceaux).
Sandinista ? 1er Ramones ? Euh, non, les Vaccines ...
Le disque dans sa version « normale » est court (35 minutes), mais a le temps de s’aventurer vers des mélodies à la Phil Collins, des synthés à la Eurythmics des mauvais jours, voire même un truc sautillant et crétin de Van Halen de la fin de la période David Lee Roth (oui, je sais, il est revenu depuis, et il aurait pas dû …), la chose en question s’appelle « Give me a sign », c’est un mix affligeant de « Jump » et « Panama ». Et puis, certainement pour faire indie-dans-l’air-du-temps, les Vaccines clôturent par un un court instrumental psyché-space totalement hors sujet.
Même leur chanteur-leader Justin Young semble nettement en retrait par rapport à « Come of age » (où pourtant il était censé souffrir de problèmes aux cordes vocales), et livre des parties chantées quelconques au milieu d’un barouf kolossal (hein, mon salaud, tu la sens, la monnaie de la major, hein, tu la sens et t’aimes ça, hein mon cochon …) signé Fridman, avec des batteries herculéennes, des riffs dantesques de glam metal, et une quincaillerie synthétique à faire pâlir les fans de Tangerine Dream …

Décidément, je dois être devenu trop vieux … ou eux sont devenus trop nuls …

Des mêmes sur ce blog :



FOALS - TOTAL LIFE FOREVER (2010)

Foals on the hill ?
C’est la putain de misère, j’vous dis moi … Je plains les mecs qui écrivent dans des canards musicaux et qui doivent se fader tous les trucs qui sortent … ce qu’ils prennent par les oreilles, les pôvres … Doivent se bousculer pour prendre la place du préposé aux rééditions, ou alors se partager les vieux skeuds qui ressortent, sinon y’a de quoi déprimer sévère …
Bon, vous me connaissez, vous me voyez venir avec mes grosses savates, un disque des Foals (des qui ? bougez pas, on y arrive …) sous le bras. Les Foals, un sac sur la tête, les mains attachées derrière le dos, et tu demandes au premier djihadiste qui passe de les décapiter au yatagan rouillé sans autre forme de procès. Je devrais pas écrire ça, je vais encore me faire repérer par un cyber-keuf et voir arriver chez moi au petit matin blême une escouade de pandores qui vont tenter de me faire avouer où se planque le mollah Omar … Déjà que ces types, les Foals, existent encore sans s’être endettés en frais de justice jusqu’à la trentième génération relève du prodige. Parce qu’avec une pochette comme ça, si Courtney Love-Cobain y tombe dessus après avoir pris une poignée de coke et un énième râteau de Billy Corgan (faut être sacrément raide déf, pour essayer de se faire cette grande asperge chauve, mais bon, chacun son truc …), donc si la Yoko Ono grunge a pas lâché ses avocats pour plagiat de la pochette de « Nevermind », putain le cul bordé de nouilles qu’ils ont, les Foals …
Y'a pourtant vraiment pas de quoi être fiers ...
Oh et puis … comme c’est Noël, le bon Dieu, le petit Jésus, la Miséricorde, et tout ce bordel religieux qui te pousse au pèlerinage au supermarché du coin rayon cholestérol, ou bouts de plastoc cancérigènes pour petits nenfants (imaginez, les moutards, ils ont, à peine venus dans ce bas monde, le choix entre les métastases sponsorisées par Ken, Barbie et Nestlé, ou s’ils en réchappent 212 trimestres à pointer à Pole-Emploi … y’aurait des façons plus drôles de démarrer dans la vie, hein, bon … remarquez je m’en fous…), je vais faire ma Mère Teresa et pas en dire de mal… Bon, si un peu, quand même, sinon je perds le peu de crédibilité et de lecteurs qui me restent.
Les Foals sont Anglais et ont sorti leur première rondelle en 2007 ou dans ces eaux-là… ça y est, vous les voyez venir, les boulets (quoique, ça aurait pu être pire, ils auraient pu être de Brooklyn) ? Les Foals n’ont que peu d’arguments en leur faveur, mais il doit bien se trouver quelque part sur le web trois clampins qui ont fondé leur fan-club et qui vont diront, au risque de se claquer les quelques neurones valides qu’il leur reste, que les Foals, c’est grandiôôôse … faut pas déconner …
En voilà de belles baudruches ...
Les Foals, c’est pas plus mauvais que nombre de leurs congénères, mais c’est guère meilleur non plus. Pour se donner bonne conscience et enfumer quelque puceau musical qui passerait par là, ils se proclament fans de Joy Division et de Portishead. Que celui qui entend dans cette rondelle la moindre chose qui rappelle l’épileptique pendu ou les tristos de Bristol me le fasse savoir, y’a mon mépris et l’intégrale de Yes (putain, y’avait longtemps, ça fait du bien) à gagner… Les plus malins ou les moins bourrés auront remarqué que Joy Div et Portimachin ça renvoie aux années 80 et 90. Le NME, Pitchfork et les Inrocks en ont évidemment fait des génies, s’esbaudissant à qui mieux mieux sur le talent des Foals. Pensez, ils étaient signés chez Sub Pop, label d’habitude gage de sérieux et de rock’n’roll dans ta face, même si les Foals c’est pas sérieux et encore moins rock’n’roll. Il faut reconnaître à ces cinq gugusses au moins une bonne idée. Celle d’avoir mis leur meilleur titre d’entrée sur le skeud … parce que s’ils l’avaient foutu à la fin, je sais pas qui de normalement constitué aurait poussé le vice à écouter la onzième plage de ce genre de rondelles. Tandis que là, après avoir entendu ce « Blue blood » sorte de new wave madchestérisée chantée par le mec de TV On The Radio (ça, c’est du descriptif, hein, avouez ...), on se dit qu’ils ont peut-être été capables de faire aussi bien quelque part sur ce skeud … Ben non, y’a deux-trois trucs qui se laissent écouter et les autres uniquement si on a envie de se faire le trip nostalgique Top 50 – Desireless – Luna Parker (gaffe à l’atterrissage, c’est du violent …).
Ma magnanimité sera  cependant accordée à « Spanish Sahara », malgré un final à la U2 des mauvais jours et à « Alabaster », même s’il me semble totalement pompé sur un truc dont j’arrive pas à me souvenir. Le reste, vaste soupe à la grimace sonore, renvoie dans les meilleurs des cas à de fades imitations des Talking Heads, Peter Gabriel ou Bowie dans leurs périodes eighties, ce qui de quelque part qu’on l’envisage n’est pas vraiment une bonne idée, avec quelques fois pour achever de gâter la sauce, des effets radioheadiens …
C’était pas forcément mieux avant, mais c’était moins chiant …

Et que sont les Foals devenus ? Aucune idée …


En écoute et plus si affinités ici


FOO FIGHTERS - SONIC HIGHWAYS (2014)

Le classic-rock des années 2010 ?
Dave Grohl est un type bien. Alors qu’il doit avoir mis sa famille à l’abri du besoin pour des générations grâce aux royalties de Nirvana et des Foo Fighters, il se la joue pas jetsetter arrogant, qui continue dans le music business juste pour la caillasse. On le voit pas tirer une tronche de dix mètre sur scène ou sur les photos, et il est toujours prêt à cabosser une batterie si on lui demande (QOTSA, Probot, voire derrière Sir Macca pour une reprise d’un classique de Nirvana). Ce type, pour moi le meilleur batteur de rock vivant, prend son pied guitare en main quand c’est lui qui mène la danse avec les Foo Fighters.

Et mine de rien, ce chien fou des années 90 est devenu un dinosaure du rock. Parce qu’il est toujours là (des nouvelles de Soundgarden, Pearl Jam, Smashing Machins , QOTSA ou Radiohead ?), et peut-être parce qu’il s’est jamais embourbé dans la cérébralité, la conceptualisation, ou l’auto-glorification de son auguste personne (j’ai les noms …). Les Foo Fighters, ça casse peut-être pas trois pattes à un canard, mais au moins tu peux poser n’importe lequel de ses disques sur la platine, tu vas pas te faire chier au bout de deux titres … Du bon rock sans prétention …
Jusqu’à ce « Sonic Highways » … comme faute de combattants, il est quelqu’un qui « compte » maintenant, il se retrouve avec ses Foo Fighters à la tête d’un projet balèze. Le concept (aïe), c’est à travers huit titres de capter à chaque fois « l’essence » d’une ville qui a compté dans la carte du rock US. En se faisant « aider » par une figure locale, généralement de la six cordes, et le plus souvent plus un perdreau de l’année (on est tout à coup ravi que Clapton ou Santana soient pas nés aux States), ce qui peut conduire à des morceaux avec 4 (quatre !) gratteux (enfoncés, les Ramolly Hatchet). Et cerise confite sur le cake aux raisins, chaque escapade citadine donnera lieu à un doc d’environ une heure payé et diffusé par la chaîne HBO. En gros ce que dans les années 80 on appelait un projet multimédia. Rajoutez à la production une des figures de proue des 90’s aux consoles (Butch Vig, pousseur de boutons pour Nirvana ou Garbage), et on s’attend à voir débarquer la grosse machine de guerre qui va récolter le brouzouf, avec une partie musicale plus ou moins à la ramasse …
Bon, « Sonic Highways », ce sera pas le disque du siècle. Mais c’est loin d’être de la daube. D’abord, y’a un son qui risque de faire date, qui déchire bien sa race comme disaient les jeunes à l’époque, une puissance de feu décibélique assez impressionnante. Les compos, on peut bien leur reprocher d’être assez mainstream, de vouloir plaire aux « kids » (le serpent du mer du wockanwoll, tout le monde en cause, s’adresse à eux, mais personne en a jamais vu un) et à leurs parents, voire leurs grands parents, s’ils étaient pas fans des concerts du Grateful Dead. Du consensuel, oui, mais dans des genres assez pointus, le titre « The feast and the famine » pouvant passer pour du hardcore centriste. Généralement, les morceaux sont très typés 90’s, nostalgie quand tu nous tiens. A noter quand même que Grohl peut se le permettre, parce que le son des 90’s, il y était un peu beaucoup au cœur.

Malgré ce, j’ai rien trouvé dans « Sonic Highway » qui me force à appuyer frénétiquement sur la touche Repeat. C’est correct, voire très correct, ça reste dans la ligne Foo Fighters, et évidemment, vu les moyens engagés, ça sonne très carré, très pro (c’est pas une insulte). De temps en temps, des influences assez évidentes remontent à la surface, le phrasé du Bowie des 70’s au début de « Something for nothing », allant même jusqu’à un démarquage du « All the young dudes » (sur le très glam « What did I do ? / God as my witness »). L’essentiel est cependant bien ricain, bien classic rock (« Congregation »), jusqu’à un final épique (7 minutes), ce « I am a river » comme un mix réussi entre le Springsteen de « Born in the USA » et les U2 dans leur période américaine (« The Joshua tree »).
Vu les moyens déployés, on peut sans trop se mouiller annoncer que les Foo Fighters seront les incontournables têtes d’affiche des festivals de l’été prochain. Live et en formation moins pléthorique, les titres de ce « Sonic highways » devraient bien envoyer le bois. On peut aussi, et c’est un sacré bon point par ces temps de délayage permanent, savoir gré à Grohl de s’être cantonné à huit titres et quarante minutes, alors qu’il aurait été facile au vu des moyens engagés de se vautrer dans un interminable double Cd.

PS. Même si le batteur crédité sur tous les titres est l’habituel Taylor Hawkins, y’a un tel niveau de drumming sur « Outside » que je serais pas surpris si c’était sur ce titre Grohl aux baguettes.
Et la pochette, collage-montage de monuments remarquables des villes "inspiratrices", elle me fait bigrement penser à celle de "Breakfast in America" de Supertramp ...

En écoute et plus si affinités ici


Des mêmes sur ce blog :



THE BLACK KEYS - TURN BLUE (2014)

Balle au centre ...
Y’a pas un fan de la première heure qui pourrait faire un selfie après avoir écouté « Turn blue » ? Juste pour voir … et rire un peu … Allez, les Black Keys ont viré mainstream, c’était déjà bien audible sur le précédent (« El Camino »), là, aujourd’hui, y’a plus d’ambigüité. Bon, on va pas sortir les noms d’oiseaux, les clouer au pilori. Niveau galère et ventes faméliques, ils ont cotisé, et ma foi, si maintenant ça rigole, tant mieux pour eux. Et on pourrait trouver des milliers de groupes qui aimeraient sortir un disque du niveau de « Turn blue » … s’ils en étaient capables.
Carney & Auerbach : The Black Keys
Parce que « Turn blue », je l’aime pas. Pas beaucoup en tout cas. Mais on peut pas dire que le boulot soit saboté. Les trois types, puisque Danger Mouse apparaît, et c’est confirmé par les propos de Carney et Auerbach, comme beaucoup plus que le producteur, ont mis beaucoup d’atouts de leurs côtés. Niveau compositions, niveau mise en sons, niveau production, ça tient la route. Même la pochette, avec ses faux airs de Vasarely, fait arty, et marque une évolution notable dans la façon dont les Black Keys envisagent le packaging de leurs œuvres …
« Turn blue » se paye le luxe de commencer, non pas par un machin racoleur destiné à attirer le puceau boutonneux de base du Midwest, mais par un titre long (presque sept minutes), ambitieux et « climatique », s’égrenant sur un tempo lent avec des passages très floydiens ou des solos de guitare genre Dire Straits avec moins de technique et plus de roubignolles. Danger Mouse multiplie les synthés, beaucoup sont à connotation très 80’s, et même si ce revival électronique est aujourd’hui très tendance (après tout, les guitareux copient jusqu’à l’écœurement les sons des 60’s-70’s, pourquoi les joueurs de disquettes pourraient pas donner aussi dans le rétro, hein, je vous demande, même si je m’en tape …). C’est même parfois too much, un titre comme « Fever » avec ses gimmicks putassiers, sonne comme du Cars bas de gamme, le « Year in review » qui suit, j’sais pas, mais moi ça me fait penser au « Natural blues » de Moby, c’est dire si c’est pas naturel et si c’est pas du blues … Pire (quoique), dans « 10 lovers », il y a comme des faux airs dans la mélodie de « In the air tonight ». A l’usage des jeunes générations incultes, il s’agit d’une scie du Phil Collins solo, qui avait en son temps (le début des 80’s, on y revient) foutu la honte même aux fans endurcis de Genesis, pourtant habitués aux horreurs sonores …
Danger Mouse, le 3ème Black Keys
Heureusement pour les vieux fans, il y a quelques sonorités pour eux. Des machins plus rêches, plus sournois, plus Black Keys d’avant quoi. Même si rien ne sonne rustique primitif, le titre le plus « rock » du Cd, avec son espèce de Diddley beat mutant, n’arrivant qu’à la septième piste (« It’s up to you now »). Et le boogie final (« Gotta get away »), dont n’aurait pas voulu les ZZ Top 80’s n’inversera sûrement pas la tendance. Surtout qu’il survient après des morceaux dont je ne sais trop que penser (hommages ? manque d’inspiration ?), réminiscents des choses piaillées par Jagger dans (décidément …) les 80’s (« Waiting on words » me fait penser au « Waiting on a friend » sur « Tattoo you »), du Lennon époque Plastic Ono Band (« In our prime », avec ce son de piano et cette reverb dans la voix, gaffe, si Yoyo Ono l’entend, elle va lâcher ses avocats, avant un final où Auerbach se prend pour un guitar hero, ce qu’il n’est pas et ça s’entend).
Ah, j’allais oublier, pourtant Auerbach en cause beaucoup, certains textes font référence à son divorce (bâillements …).

« Turn blue » est un disque calibré, avec en point de mire succès radiophoniques et arenas remplies. Partant du principe de qui peut le plus peut le moins, les Black Keys peuvent revenir, une fois leur compte en banque bien matelassé, à leurs premières amours blues rustiques … ou continuer avec le consensuel dans lequel s’embourbe « Turn blue » …

Des mêmes sur ce blog :

FRANZ FERDINAND - RIGHT THOUGHTS, RIGHT WORDS, RIGHT ACTION (2013)

Bientôt la rentrée, les premiers de la classe sont déjà là ...
Et ils exhibent fièrement leurs devoirs de vacances. Ben y’a pas de quoi, vous vous êtes pas trop foulés, les gars. Quatre ans et demi après le diversement accueilli « Tonight : Franz Ferdinand », la livraison est un peu chiche, dix titres pour 35 minutes, ça traduit pas vraiment une période de créativité intense. Bon, d’un autre côté, les triples Cds conceptuels, c’est pas non plus leur genre.
Même s’il a du y avoir du brainstorming dans les bureaux de leur (gros) label indé, Domino. Franz Ferdinand sont la vitrine commerciale de l’affaire, et donc faut assurer, résoudre tout un tas d’équations, genre faire pareil pour pas déstabiliser le public traditionnel, mais faire aussi un peu différent pour attirer de nouveaux clients, faire un disque qui se veut populaire, et montrer aussi qu’on est des gens qui comptent, qui ont les moyens, faire dans le cossu distingué, le bourgeois discret …

Les titres qui débutent chaque face (ben voilà, maintenant, à cause de la mode du retour au vinyle, on est obligé de repenser l’enchaînement des titres) sont les plus accrocheurs, les plus prévisibles, ceux qui doivent servir de locomotive pour amener le skeud vers le haut des charts. « Right action » et « Bullet » sont courts, nerveux et mélodiques (tellement d’ailleurs que sur « Right action » on dirait bien qu’il y a des bribes de « Norvegian wood » des Beatles, excusez du peu). Et puis, ils confirment l’arrivée en force des synthés, déjà présents sur « Tonight … ».
Des synthés qui sonnent très années 80 (les types de Franz Ferdinand, il sont tous autour de la quarantaine, ils ont commencé à écouter de la musique dans les 80’s, ça a apparemment laissé des traces), ce qui fait que mine de rien, le concept de départ (faire danser les filles avec du rock à guitares et des rythmiques martiales à la Gang of Four) a pris du plomb dans l’aile. Les Franz Ferdinand suivent une trajectoire à la Coldplay, on ralentit le tempo, et on donne dans le radio friendly centriste. Tout est à peu près dit (et entendu) dès le second titre (« Evil eye ») qui recycle le riff et la construction sonore de « Need you tonight » d’INXS. Et on pense souvent à des choses comme Depeche Mode ou Eurythmics, du consensuel pas trop putassier, mais du consensuel quand même.
En gros le début du disque est plus enlevé, plus « dansant », plus power-pop, plus franchement mélodique. Se paye même le luxe d’afficher un gros chiffon rouge avec un titre comme « Fresh strawberries » pour que soit évidemment évoqués en vrac, Beatles, Lennon, et « Strawberries fields for ever ». C’est bien tenté, avec le coup très Fab Four des harmonies vocales de Kapranos et McCarthy sur le refrain, mais on reste bien loin du modèle à demi-avoué.
Les derniers titres du disque sont plus lents, entretiennent une humeur plus mélancolique, allant jusqu’à taquiner les atmosphères gothiques des Cure et de la cold wave en général (« Treason ! Animals » ou « The universe expended »), le tout perclus d’arrangements chiadés mais bien convenus.
Malgré tout peu d’innovations (les Franz Ferdinand qu’on aime ou pas, ils ont un style, une patte sonore, on est en terrain connu, jusqu’à la pochette où le noir domine sur fond de slogans néo-réalistes soviétiques, la routine, quoi …), et un choix délibéré de se positionner en grand rassembleur musical centriste …

Tout ça finira peut-être à Wembley ou au Stade de France. Evidemment sans moi. Quand je voudrai écouter un bon disque de Franz Ferdinand, je me repasserai leur premier …

Des mêmes sur ce blog :

NORAH JONES - COME AWAY WITH ME (2002)

Non merci, je reste là ...
D’entrée la question essentielle, fondamentale, cruciale, la Mère des questions : qu’en serait-il advenu de ce disque si Norah Jones avait été le sosie d’Arlette Chabot ? Et venez pas me dire que c’est un argument déloyal, qu’elle l’a pas joué string en avant comme la première Lady Fada venue … parce que moi, des trucs aussi BCBG que Norah, je trouve ça suspect. Ça pue l’arnaque, tout ce bazar, le plan marketing genre Alanus Mauricette ou Lana de La Raie, la beauté centriste qui se pointe avec ses rengaines molles de l’entrecuisse et qui vend des camions de disques à tous ceux qui n’en achètent qu’un par an …
Va falloir agrandir la cheminée, Norah ...
Y’a tout pour donner envie aux lectrices du Figaro Madame d’investir dans le Cd. Une fille de (en l’occurrence Ravi Shankar, curiosité exotique et dispensable du festival de Woodstock), délaissée par papa, signée par un prestigieux label de jazz (Blue Note), pour un disque produit par une grabataire légende (Arif Mardin) de la musique soul des sixties … Pour un résultat donnant lieu à des comparaisons aussi déplacées que malhonnêtes avec les figures tutélaires du jazz vocal féminin (les bios de Billie Holiday ou Nina Simone, c’est du Zola trash à côté des petits bobos de l’existence de la Norah) …
Tiens, et à propos de bobos, ce doit être la musique qu’ils aiment passer. Mais pas écouter. On ne peut pas écouter, y’a rien à écouter. Un murmure jazzy de vernissage dans un bar branchouille, des chansons infiniment lisses, sans aspérités. Je veux dire, faut quand même forcer pour arriver à faire de « Cold cold heart », l’assez sombre classique country de Hank Williams, cette purge murmurée que la Jones nous livre sur « Come away with me ». Elle chante bien, la Jones ? Oui, certes, elle chante juste. D’une façon encore plus glaciale que Sade dans les 80’s, la Nigériane s’appuyant elle sur des chansons quand même plus sexy. Il n’y a qu’un seul titre (« Turn me on ») sur lequel Norah Jones donne l’impression d’exister, de vibrer pour ce qu’elle chante. Le reste n’est qu’un mignon exercice de style.
Ça assure musicalement ? Même pas, et malgré la présence au générique de colifichets attrape-nigauds (le déjà cité Mardin, ou le virtuose de la guitare jazz Bill Frisell), ça mouline un soft jazz de piano-bar totalement calibré, formaté, batterie balayée, contrebasse feignasse, inoffensif et insipide au possible… Quatorze titres sur le même invariable tempo traînard dans lequel le seul « Feelin’ the same way » fait figure de sarabande endiablée tellement les autres sont soporifiques…
Vingt millions de copies vendues, dont deux millions en France … no comment …

BOB DYLAN - SLOW TRAIN COMING (1979)

Le disque de la Révélation ...

En cette fin des années 70, Giscard  (diamantaire africain et aristo fin de race, supposé descendant de Louis XV par la chambre de bonne et l’escalier de service) et Raymond Barre (prétendu ponte de l’économie, amateur de nourriture grasse et de siestes parlementaires) nous disaient qu’ils voyaient le bout du tunnel, parce qu’à cette époque-là, m’en parlez pas ma bonne dame, c’était déjà le delbor...
Dylan lui, qui pour se faire remarquer, avait l’habitude de ne rien faire comme tout le monde, voyait carrément Dieu. Alors que tout autour de lui, les dinosaures 60’s et 70’s se couchaient sous l’effet de la tornade punk, lui, impavide, continuait sa route comme si de rien n’était. Sauf que tout le monde s’en foutait de Dylan. « Blood on the tracks » au milieu de la décennie avait laissé espérer, le single rageur et engagé « Hurricane » aussi, mais bon, fallait se rendre à l’évidence, Dylan était largué, et comme toute idole qui sent son piédestal vaciller, devait se poser des questions. Dès lors, le Zim allait entrer dans sa période « mystique » et tartiner de sa nouvelle foi quelques 33 T, plus particulièrement « Slow train coming » et le suivant « Saved » qui allaient embarrasser tout le monde, y compris ses fans les plus fervents. Le maître à penser de plusieurs générations de musiciens allait tomber dans le prêchi-prêcha quelque peu béat, loin, très loin de ses fulgurances littéraires passées.
Dylan live 1979
Outre un état d’esprit sur lequel on pourrait s’interroger (perso je m’en cogne un peu de l’analyse psy et de la théologie, mais le cas Dylan à cette époque a généré des écrits innombrables), il faut reconnaître que la maison Dylan ne part pas à vau-l’eau. Il y a une cohérence dans sa démarche qu’on retrouve dans la musique. Avec « Slow train coming » Dylan s’approche comme jamais de la musique noire, celle qui vient des églises, la soul et le gospel. Et il est cohérent jusqu’au bout, faisant produire ce « Slow train coming » par le légendaire Jerry Wexler (une foultitude de disques à son actif, dont les meilleurs Aretha Franklin). Comme Dylan ne fait rien comme personne, il va prendre comme meneur de revue Mark Knopfler, dernière sensation guitaristique du moment, dont les deux premiers disques de Dire Straits se vendent comme des petits pains. Knopfler mettra dans ses bagages son batteur Pick Withers.
Des Anglais plutôt folk, Dylan, de la musique noire, un producteur de soul … mélange improbable et hautement instable. L’hypothèse de départ est trop tordue pour que le résultat soit à la hauteur. Déjà, les textes pour une fois transparents (genre cantiques, prières, foisonnant de déclaration de foi et d’allusions bibliques) sont loin d’être ses meilleurs, et les amateurs du verbe hermétique dylanien vont tirer la tronche. La musique est d’un centrisme désolant, les musiciens moulinent sans conviction une sorte de rock FM, bien propre, bien lisse, bien emmerdant, mollement rehaussé par des cuivres rhythm’n’blues et des chœurs soul en roue libre. A titre d’exemple, comparer « I believe in You », de ce « Slow train coming » avec « Presence of the Lord » de Clapton et Winwood dans Blind Faith, et on a une idée de l’abîme dans lequel patauge Dylan. Tiens, à propos de Clapton et pour boucler la boucle, « Gonna change my way », sur lequel Knopfler et Dylan plagient quelque peu le riff du « Cocaine » de JJ Cale, titre repris par … Clapton. Bon, sinon, on somnole ferme avec ce brouet FM, on ne se réveille que quand arrive le tragique reggae « Man gave names … », à faire passer Jahnick Noah pour Bob Marley, et on rigole un bon coup de cette mascarade … Et allez savoir pourquoi, « Gotta serve somebody » a fait un petit hit.
« Slow train coming » n’est pas ignoble (y’a suffisamment de pointures au casting pour que la plupart du temps « ça assure »), il est juste très formaté rock centriste. Disque très important pour les fans hardcore et les analystes du dimanche, très dispensable pour tous les autres …

Du même sur ce blog:
Christmas In The Heart

PETER GABRIEL - SO (1986)

So surestimé ?

« So » fait partie de ces disques élevés au pinacle par plein de gugusses pour plein de raisons qu’ils croient bonnes.
1-  Parce que Peter Gabriel a fait partie de Genesis.
2-  Parce qu’il en est parti.
3-  Parce que « So » est un disque des années 80.
4-  Parce que « So » en fout plein les oreilles.
5-  Parce qu’il s’en est vendu des camions, et que si les gens l’ont acheté, c’est que forcément il est bien.
Tout ça fait certes d’excellents arguments de comptoir. Mais 25 ans après les faits, ça fait quoi d’écouter « So », mis à part de se sentir un peu vieux (et donc forcément con) ? Ben « So » il a aussi pris un coup de vieux. Le genre de disques très lié (trop ?) à une époque, un contexte …
L’époque, le milieu des années 80, la décennie du fric roi. Les chefs comptables et les directeurs marketing prennent le pouvoir dans les maisons de disques, un nouveau support (le Cd) arrive, des médias et leurs outils de promotion à la solde des majors (les chaînes musicales et les vidéo-clips) font aussi leur apparition, tous les records de chiffres de vente explosent (boostés par le phénomène Michael Jackson). Signé sur une major (Virgin), un capital notoriété certain, Peter Gabriel a tout du profil du winner potentiel.

Le contexte dans le monde de ceux qui font des disques, est bizarrement, au milieu de ce raz-de-marée planétaire de billets verts, de donner dans l’humanitaire. Commencent à se mettre en place toutes ces entreprises charitables se traduisant par des mega-festivals censés rendre notre monde meilleur (on a vu le résultat). Là aussi, Gabriel est au cœur du cyclone. Il vient de prendre sa carte à Amnesty International, sera de tous les concerts pour toutes les bonnes causes, fondera le WOMAD, son label-studio baba-cool alter-tiers-mondiste Real World, … Plus « concerné » que lui, tu peux pas … Peter Gabriel, c’est le centriste qui dérangera personne, qui remettra rien en cause s’il réussit. A un détail près, faut quand même sinon un bon disque, au minimum un disque bien dans l’air du temps. « So » sera ce disque, qui fera passer le Gab d’artiste « branché » à triomphateur grand public.
« So » n’est pas indigne, d’ailleurs les fans du bonhomme sont à peu près d’accord pour dire que c’est son meilleur.
Sur « So », « ça joue ». Plein de types connus, généralement requins de studio renommés (dont, cocoricouac, Manu Katché on the drums), des potes de Gabriel très célèbres venus faire une pige (Jim Kerr des très successful Simple Minds, Kate Bush, la branchaga Laurie Anderson, et un Youssou N’Dour qui va commencer à beaucoup faire parler de lui). Sur « So », « y’a de la chanson ». Genre celle qui finit en haut des hit-parades. Deux y arriveront. « Sledgehammer », rhythm’n’blues rigide et assez mauvais, avec vrais cuivres qui sonnent faux et des chœurs braillards (avec notamment PP Arnold, il se refuse rien, le salopiaud). « Don’t give up », ballade sophistiquée mais un peu vaine dans laquelle vient se perdre Kate Bush pourtant à cette époque au sommet de son art (mais qu’est-ce que t’es allée foutre dans cette galère, Kate ?). Ces deux titres appuyés par des clips qui tourneront en heavy rotation marqueront leur temps.

Les vraies pépites de ce disque sont à chercher ailleurs. Du côté de « Mercy Street », où là il se passe quelque chose, ce doit être ce qu’on appelle du feeling, de l’émotion… Ou encore sur « We do what we’re told », le morceau le moins convenu, très expérimental, onirique, avec des batteries comme aquatiques.
Le reste ? De la chanson épique correcte mais sans plus (« Red rain », « In your eyes ») qui va chasser sur les terres de U2 et Simple Minds, une autre bouse disco-funk-rhythm’n’blues (« Big time »), un « difficile » mais intéressant « That voice again », et un titre bonus sans intérêt (« This is the picture …» avec Laurie Anderson) absent du vinyle original et qui occasionne un chamboulement mal venu du tracklisting sur le Cd, tellement il sonne comme une chute du précédent opus du Gab ( le « IV » ou « Security », comme on veut).
Comme d’hab chez le Gab, gros travail sur les structures rythmiques des titres, tellement compliquées que si t’en causes à Ringo Starr, il retourne au bar en courant, et une production assez atypique (très clinquante, brillante, technique en avant) du quasi débutant Daniel Lanois qui se spécialisera par la suite dans des sons plus naturels, boisés et chaleureux, en contrepoint des machines, ambiances et bruitages de Brian Eno en compagnie duquel il produira U2… Et puis, faut pas oublier de le souligner, tellement il y en a des quelconques derrière un micro, Peter Gabriel est un chanteur qui chante bien, très bien même …
« So », je l’ai apprécié en son temps. De toutes façons, absolument tous ceux ceux qui étaient payés pour nous informer de l’actu zique disaient qu’il n’y avait rien de mieux. Ce qui évidemment est totalement faux, on n’arrête pas de « redécouvrir » (trop tard pour leurs auteurs), de bons disques de cette époque passés sous silence… « So » est à ranger à côté des disques de Sting, Dire Straits, et tous ces centristes des 80’s …

Du même sur ce blog :
Peter Gabriel I


JACKSON BROWNE - FOR EVERYMAN (1973)


Au centre du centre ...

Jackson Browne, c’est le type dont on ne peut raisonnablement pas dire de mal. De toutes façons personne ne dit jamais de mal de Jackson Browne, c’est pas moi qui vais commencer.
Jackson Browne, c’est le songwriter doué, le bon chanteur, le type sympa, beau gosse et engagé dans plein de bonnes causes. Le gendre idéal des années 70. Musicalement, c’est clean, bien foutu, du classic rock américain (pléonasme) comme beaucoup l’aiment. Des influences et des copains irréprochables (le country-rock, Gram Parsons, Dylan, les Eagles, Springsteen, …). Des ventes de disques conséquentes également (chez lui aux States, parce qu’ailleurs, c’est confidentiel).
« For everyman » est son second disque, celui qui va l’installer pour des décennies au premier plan du paysage musical. Browne n’est pas un inconnu pour autant. Les curieux qui lisaient les notes de pochette de disques avaient déjà vu son nom dans le casting (pléthorique il faut dire) du Nitty Gritty Dirt Band, et dans les crédits de quelques compositions sur les disques des Eagles, des Byrds, ou Linda Ronstadt. Browne avait commencé très jeune, la légende veut qu’il ait été remarqué (et dépucelé, y’a pire pour débuter dans la vie sexuelle) par Nico dans le milieu des années 60. En tout cas, c’est sur le disque solo « Chelsea girl » de l’éphémère chanteuse du Velvet qu’on le retrouvera un peu partout dans les crédits.

Mais pour Browne, le premier jackpot viendra avec « Take it easy » co-écrit avec Glenn Frey, et premier gros succès de la carrière des Eagles en 1972. Et tout ce tissu d’amitiés occasionnera des retours d’ascenseur sur ses disques à lui. Ainsi on retrouve impliqués sur ce « For everyman » tout le gotha du rock West Coast (Frey et Henley des Eagles, Crosby, Joni Mitchell, Bonnie Raitt,…), celui qui restera son inamovible complice David Lindley (multi-instrumentiste avec prédisposition particulière pour le violon, électrique ou pas), et même cette grande folle d’Elton John au piano sur un titre et sous le pseudo (question de contrats) Rockaday Johnny.
« For everyman » débute par « Take it easy » qui va définir la couleur de l’album. Par rapport à la version des Eagles, celle de Browne est un peu plus clinquante, un peu plus « tape-à-l’oreille », avec un tempo un peu plus accéléré. Mais on reste en territoire connu, du country-rock bien dans la ligne du parti. Le reste est à l’avenant, musardant entre soft-rock, country rock, ballades pour chialer dans sa bière, mise en place sérieuse, bonnes compos, bien jouées, bien chantées, sans faute de goût. On bat plus vite la cadence quand arrive « Red neck friend » et son piano boogie-woogie, on pense à Dylan époque The Band (les inflexions de la voix, le souffle épique de ce titre le plus long du disque, le Hammond B3) avec la chanson-titre. Quand le tempo se ralentit au milieu d’arrangements de bon aloi, on se retrouve avec « These days », succès dans les charts et un des classiques de son auteur.
A ce stade, il faut bien placer le mot qui peut fâcher : centriste. Tout dans ce disque est bien joli, bien mignon, bien gentil. « For everyman » s’écoute facilement, passe comme une lettre à la poste. C’est bien fait, mais ça manque quand même de vie, de tripes … ça a tendance à s’oublier facilement …

EAGLES - HOTEL CALIFORNIA (1976)


Nouvelle frontière ...

Curieux comme l’année 1977 aura engendré autant de disques cités comme référence et dans des genres totalement opposés, antinomiques et contradictoires. Et pas seulement une version binaire de la querelles des Anciens et des Modernes … Damned vs Doobie Brothers, Clash vs Fleetwood Mac, Pink Floyd vs Marley, Pistols vs Eagles…
Les Eagles justement. Le groupe typiquement américain, typiquement West Coast. Déjà presque une caricature, lorsqu’ils sont en train de fourbir cet « Hotel California ». En Europe et à plus forte raison en France, le groupe bénéficie au mieux d’un petit capital sympathie, entretenu par des hits comme « Take it easy », « Desperado », « Take it to the limit », « One of these nights », … Mais rien qui mobilise vraiment les foules comme peuvent le faire des Led Zep ou les funestes Yes, Genesis et consorts …
Les Eagles se « contentent » d’être déraisonnablement énormes chez eux. Leur dernier disque, la compilation « Their greatest hits 71-75 » est à la lutte avec le « Dark side of the moon » du Floyd pour le titre de plus grosse vente de disques de tous les temps. Des chiffres qui jonglent avec les dizaines de millions de copies écoulées. Et tout ce qui entoure les Eagles participe aux « dérives » du rock pointées du doigt par tous ceux qui veulent revenir à la simplicité originelle de cette musique (les pub-rockeux, les punks). Les Eagles, ce sont les liasses de billets verts cramés en coke, putes de luxe, bling-bling attitude, … Les Eagles sont des milliardaires dépravés, totalement coupés de la « vraie vie ».
Les Eagles, waiting for the sun
Conglomérat de déjà vieux de la vieille de la scène californienne (ils ont commencé à faire leurs armes dans le  country-rock de Poco ou des Flying Burrito Brothers, le backing band de Linda Ronstadt, dans un vague groupe de hard pour le nouveau venu, le guitariste Joe Walsh), les Eagles sont la descendance dégénérée de Crosby, Stills, Nash & Young, la recherche de la mélodie qui tue, le travail sur les harmonies vocales, la quête de la perfection sonore. « Hotel California » sera par ces types perpétuellement sous coke conçu comme un challenge insensé.
Cohabiter d’abord. Et ce n’est pas simple, car tous composent. Des milliardaires défoncés à qui tout est permis ont tendance à laisser l’ego prendre le dessus sur toute autre considération, et ça ils y arriveront (la fameuse baston entre les membres du groupe lors d’un concert de la tournée « The long run »), mais là, en 1976, lors des sessions de « Hotel California », les Eagles, sans vraiment être soudés, sont focalisés sur cet album qu’ils veulent parfait et oublient tout le reste.
Se dépasser ensuite. Pas facile quand on est tout en haut de placer encore la barre un cran au-dessus. Les Eagles avaient deux-trois hits sur chaque disque, leur Best of se vend par millions, et bien « Hotel California » est à lui tout seul mieux qu’un Best of. Les moyens sont colossaux. David Geffen, patron d’Asylum Records sur lequel sont signés les Eagles, ne mégote pas. Le groupe et leur producteur attitré Bill Szymczyk auront un budget illimité, les séances dureront plusieurs mois. Fin 1976, un single est envoyé en éclaireur. « New kid in town », ballade country-rock parfaite, et qui se positionne directement en haut des charts américains. Logique et classique, mais rien à côté de la déferlante qui va accompagner la sortie du 33T et celle du single éponyme. Une durée folle (6’30) pour les standards de passage radio, et un titre chanté par le batteur (autre particularité du groupe, ils peuvent tous chanter lead, et donc question harmonies vocales, y’a ce qu’il faut) qui va devenir un des titres de rock les plus célèbres du siècle. Parce que, manière de couper court à tous les ricanements sournois que j’entends, les Eagles de « Hotel California », c’est toujours du rock (plus pour très longtemps peut-être, mais c’est pas encore le sujet). Poussé dans ses derniers retranchements, à la limite de toutes les compromissions. Du rock calibré pour les radios, les stéréos, le disque idéal pour le cruising sur les freeways californiennes ensoleillées. Le disque qu’écoutent, et ça c’est une première, les parents et leurs enfants.
Forcément pareil œcuménisme et pareil succès feront grincer des dents, s’agiter les jaloux de tous bords. « Hotel California » est un hold-up à l’échelon planétaire. Le point de non-retour que cherchaient également des Steely Dan, Fleetwood Mac, Doobie Brothers, … le disque américain parfait selon les standards de l’époque. Parce qu’il n’y a pas que deux hits, et pas que des ballades. « Life in the fast lane » se retrouvera aussi au sommet des hit-parades, avec son riff aplatissant, sa voix hurlée et son court solo de guitare d’anthologie, portant à jamais la signature du dernier arrivé Joe Walsh. Car ce qu’on a souvent oublié, c’est que les Eagles ne produisent pas que de la zique pour slowter et emballer de la meuf. « Victims of love », c’est aussi du hard FM avant l’heure, avec ses riffs saturés en intro, et c’est aussi bien que les intégrales de Toto et Foreigner réunis.
Même si c’est la ballade fin de race qui domine. Le « concept » de l’album c’est un peu le désenchantement de la prétendue vie facile à Los Angeles, les retours de manivelle de la décadence friquée et désœuvrée, les petits matins cabossés genre « Very bad trip », l’Hotel California est en fait un centre de rehab. Alors le disque fait la part belle au country-rock pépère (« Try and love again »), aux ballades déprimées pianotées et garnies de cordes, cette « Wasted time » qui trouve son contrepoint dans le dépouillement qui sent la gueule du bois de l’ultime « The last resort ». Seul maillon faible selon moi, « Pretty maids all in a row », où là le groupe et la production ont eu la main quelque peu lourde sur les arrangements de cordes et le côté grandiloquent.
« Hotel California », c’est le disque qu’on aimerait détester parce que c’est juste un rêve, un fantasme, celui d’une way of life inaccessible. Un disque de winners, écœurant de facilité. Alors que, par antithèse, on aura toujours un faible pour les losers qui se ramassent avec des galettes foirées. « Hotel California », il fait un peu partie de l’inconscient collectif d’une génération, c’est le témoin sonore d’une époque. Curieusement, les Eagles qui sont parmi les groupes les plus vendeurs de l’Histoire, sont un conglomérat quasi anonyme hors des Etas-Unis, et bien peu de gens sont capables de citer les musiciens qui le composent.
« Hotel California », on l’a trop entendu, c’est sûr … mais on s’est régalé à chaque fois …

DAVID BOWIE - THE NEXT DAY (2013)


Hero to Zero ?

Que voilà un disque qui a priori fait plaisir. Le premier de Bowie depuis dix ans (l’oubliable « Reality »). Un Bowie, dont hormis une chronique nécrologique (depuis des années, le Net bruissait de rumeurs de fin prochaine, rumeurs se répandant encore plus vite que les supposées métastases qui étaient censées l’emporter sous peu), je n’attendais rien de bon, discographiquement parlant. Et donc ce disque est une bonne nouvelle inattendue.
Mais à la réflexion, que peut-on attendre d’un type de soixante-six ans, qui semblait avoir mis un terme à sa carrière depuis que son cœur avait failli lâcher ? Qu’attendre en 2013 d’un gars qui n’a pas sorti un bon disque depuis, allez, « Scary monsters » en 1980 ? Et que des fans énamourés ne viennent pas me dire que Tin Machine était un concept intéressant, qu’il y avait des choses à sauver dans « Tonight », ou que ses disques « électro » traduisaient une remarquable ouverture d’esprit caractéristique de ce grand artiste vers des sons nouveaux qui … bla-bla bla, bla-bla-bla, … De la daube, toutes ces rondelles, qui merci à tous, se sont très bien vendues (beaucoup mieux que ses vrais bons disques) et l’ont mis, lui, sa jolie jeune femme et sa famille, à l’abri du besoin …
Parce que, je vais vous dire, Bowie, j’ai un peu écouté (vite fait, des centaines de fois chacun) pas mal de ses skeuds, et il a été fabuleux dans les rugissantes seventies quand il avait deux ou trois disques d’avance sur toute la concurrence, quand « Ziggy Stardust » annonçait le punk, quand « Young Americans » annonçait le disco, « Station to station » la cold wave, « Low », « Heroes » et « Lodger » l’avènement de l’ambient et de la musique faite par des machines, et  « Pin Ups » toutes les nostalgia à venir. Tout ça en moins de dix ans, avec au moins deux douzaines de titres officiels par an, dont la moitié dignes de figurer sur un Best of. Et Bowie a fait comme les autres, a décliné, est peu à peu descendu de son inaccessible Olympe. Dans les années 80, il a fait du fric avec de mauvais disques, se contentant de coller à l’époque, ayant perdu toutes ses longueurs d’avance sur la meute. La décennie suivante, on l’a vu courir après tous ces djeunes et leurs drôles de machines qui inventaient chaque année une tendance électronique nouvelle alors que lui essayait de copier celle de l’année d’avant. Un Bowie artistiquement has-been, se contentant de son vieux répertoire pour allumer l’étincelle dans les yeux du public lors de ses concerts …
Bowie est un malin. Le premier de cette génération de dinosaures grisonnants à avoir compris tout l’intérêt qu’il y avait dans l’internet (Bowienet, son site perso, a été créé en 1998), et maîtrisant cet outil de communication mieux que quiconque. Alors que tous les autres s’acharnent à créer un buzz par définition éphémère, silence radio total de Bowie depuis des années. Et puis, comme ça, sans prévenir, sans que le moindre fouille-merde numérique ait vu venir quoi que ce soit, il sort  le 8 Janvier, jour de son anniversaire, un clip d’une nouvelle chanson et annonce la parution d’un nouvel album sous les deux mois. Onde de choc médiatique, tout le monde y va de son couplet sur la merveille à venir du dernier des géants du rock. Et arrive « The next day », qui s’écoule instantanément comme des petits pains. De la belle ouvrage, plan marketing génial …
Bowie a toujours été un vampire, se délectant du sang de prédécesseurs et précurseurs inconnus ou oubliés pour créer sa propre musique et renaître artistiquement à chaque fois, Phénix musical sans équivalent. Maintenant, malgré son âge avancé, au lieu de s’inspirer des autres, il veut prouver qu’il bande encore, et se livre à un grand numéro d’auto-fellation contorsionniste  en recrachant au final (il avale pas, c’est so vulgaire) ses propres idées. Ça commence avec la pochette, caviardage de celle de « Heroes », la réunion en studio de vieux potes (Tony Visconti, Earl Slick, Gail Ann Dorsey, …) obligés par contrat de garder le secret le plus absolu jusqu’à la sortie du disque. Bowie, lui, comme dans le sketch des Guignols il parle pas à toi, et a juste fait savoir qu’il ne défendrait pas ce disque sur scène. Ne parlons même pas d’envie, le pourrait-il d’ailleurs ? Il suffit de voir les rares photos récentes de lui pour s’apercevoir qu’il est encore plus maquillé que du temps de la pochette de « Aladdin Sane », mais maintenant juste pour avoir apparence humaine. C’est pas Dorian Gray, juste un sexagénaire bien abîmé par ses excès passés … La voix, on s’en rend vite compte, a morflé. Certes Bowie est resté un grand interprète, chante bien et juste, mais se cantonne dans un registre medium, évitant les descentes dans les graves, et s’interdisant toute montée dans les aigus.
Passe encore, mais le plus grave, c’est qu’il n’a pas été foutu de composer en une décennie de quoi remplir dignement un disque. Les titres à sauver, maintenant que le vinyle devient so branché, rempliraient tout juste un maxi 45T, c’est dire l’ampleur des dégâts.
« The next day » commence pourtant plutôt pas mal. La chanson-titre, intéressant pop-rock, renvoie instantanément au son de « Scary monsters », et peut passer pour un exercice de style amusant. Les deux singles éclaireurs « Where are we now » et « The stars (are out tonight) », bénéficiant de clips chiadés renvoient pour le premier à ses antiques ballades crépusculaires (« Word on a wing », ce genre), le second à ses années 80 (son film de vampires « The hunger », sa musique indigente période « Never let me down »). Sans les images, ces morceaux sont tout à fait anodins.
Le tour du proprio est vite fait. A sauver de cette auto-parodie, des choses comme « Valentine’s day » furieusement réminiscent « Aladdin Sane – Diamond dogs » avec son solo de guitare calqué sur celui de « Panic in Detroit ». Ou l’amusant « Dancing out in space » (clin d’oeil à une époque où il dansait dans les rues avec Mick Jagger), titre reposant sur une rythmique Motown revisitée electro façon Kraftwerk meets Aphex Twin.
Les titres restants, une bonne dizaine tout de même, sans compter les trois « bonus » de la DeLuxe Edition (DeLuxe pour trois titres, faut pas déconner, à une époque ce label DeLuxe voulait dire que l’on doublait voire triplait la durée du disque initial), faudra beaucoup de pouvoir de persuasion au fan-club pour me convaincre qu’ils présentent le moindre intérêt. Et comme y’a vraiment pas grand-chose à sauver, Bowie et Visconti qui sont pas tombés de la dernière pluie, ont mis la batterie et les claviers-synthés très en avant, pour masquer un assortiment de rengaines fadasses, d’arrangements centristes, de mélodies bancales, enrobés d’effets sonores BCBG. Et qui toutes renvoient à des choses déjà entendues chez lui, et pas celles qu’il a faites de mieux. Le funeste « Never let me down » est souvent évoqué, des sonorités très « Lodger » (pas de bol, c’est le moins bon de la trilogie berlinoise) apparaissent ici où là, on n’évite pas la chanson pompeuse à la Scott Walker « You feel so lonely … », assortie de chœurs à la « Rock’n’roll suicide » …
« The next day » a rempli à merveille son office, faire parler de son auteur alors qu’il n’a plus rien à dire (ni à prouver d’ailleurs). Peut-être pour préparer le terrain à d’autres sorties de disques (des rééditions, des inédits, des machins remastérisés, remixés ou que sais-je encore, …). On se retrouve avec l’équivalent du tapage médiatique qui avait entouré la sortie du dernier disque des Stones (« A bigger band » en 2005), lui aussi présenté comme un retour à ce que les Stones avaient fait de meilleur, et dont je mets quiconque au défi de me citer un seul titre… Et rendez-vous dans un lustre pour discuter des chansons de ce « Next day » qui auront marqué leur époque … j’ai bien peur que le compte soit vite fait …
Non, on ne jette pas les disques de Bowie à la poubelle. Il y a des choses qui ne se font pas … Mais c’est pas l’envie qui manque …

Du même sur ce blog :
The Man Who Sold The World 
Aladdin Sane
Station To Station
Heroes
Tonight