PATTI SMITH GROUP - EASTER (1978)


La résurrection ...

« Easter » est le troisième disque de Patti Smith qui revient déjà de loin … et déjà du funeste « Radio Ethiopia », successeur indigne du fantastique « Horses ». « Easter » est un disque accessible, bien que le terme soit à manier avec précaution dès lors qu’il s’agit de la Smith. Entendez par là qu’il vaut mieux laisser de côté l’aspect prêchi-prêcha mystique suggéré par le titre du disque, le morceau du même nom, ou le texte de « Privilege » adapté d’un psaume. Je zappe aussi le côté poétesse pour adulescents toujours mis en avant (une photo de Rimbaud le jour sa communion dans le livret) parce que Rimbaud me gave et que j’ai toujours préféré Baudelaire, et surtout parce que moi ce qui me plaît, c’est le rock, et que quand tu commences à le fourrer avec des références trop savantes, tu fais des daubes …
Musicalement, « Easter », ça déménage, c’est rock, urbain, sale et velu. Comme les aisselles de la Patti sur la photo de pochette, (et comme certaines photos des débuts de PJ Harvey, son évidente fille naturelle) qui montre clairement la différence entre une femme et un objet en quadrichromie sur un magazine de mode. Patti Smith n’est pas belle, elle est juste vivante, et avec son historique Group, elle envoie le bois. Faut dire qu’elle a pas mal d’amis sur qui compter. Ses ex, Robert Mapplethorpe pour les photos du livret (celle de la cover est d’une autre pointure new-yorkaise, Lynn Goldsmith) ou Allen Lanier (du Blue Oyster Cult, dont Patti Smith a très bien connu plusieurs membres, et pour lequel elle a écrit des textes) ; mais aussi des amis, comme Tom Verlaine (Televison) crédité aux arrangements sur un titre, ou un certain Bruce Frederick Springsteen, co-auteur du légendaire « Because the night ».
« Because the night », un des meilleurs titres de leurs deux répertoires (pièce essentielle des concerts du Boss), immense classique des seventies américaines et qui pratiquement à lui seul justifierait la possession de ce « Easter ». Coup de bol, c’est pas toujours le cas dans la disco de la Smith, le reste est à l’avenant. Avec d’autres titres forts de la grand-mère de tous les punks new-yorkais. « Rock’n’roll Nigga », est un titre enragé contre l’exclusion et peut aussi passer pour un manifeste féministe, « Till Victory » débute le disque façon hymne pour stades (« Easter » est un disque « signifiant » voire intello, mais qui fonctionne superbement au premier degré musical, assez rare pour être souligné), « Privilege » sonne musicalement méchant comme du BOC, « We three » est une ballade déglinguée qui devrait ravir tous les fans de Stones en général et de Keith Richards en particulier, « 25th floor » c’est juste du classic-rock américain, ce qui est déjà pas mal, « Space monkey » est un rhythm’n’blues lourd et moite, … Patti Smith plonge dans le passé pour réhabiliter la culture indienne (« Ghost dance », prière musicale basée sur une danse traditionnelle), rajoute juste un de ces titres déclamatoires pas toujours très heureux dont elle se délecte (ici « High on rebellion », c’est supportable), et conclut le disque par « Easter », ballade-berceuse et poésie rimbaldienne mise en musique, ouais, bof …
« Easter » tout comme « Horses » est un disque charnière, pas tant pour le rock en général (même s’il est très bon), mais plus encore pour l’image et le rôle de la femme dans cette musique extrêmement machiste et misogyne. L’influence de Patti Smith, ici débarrassée d’à peu près tous ses oripeaux arty qui peuvent rebuter, se cantonnant à du rock en prise avec son temps, sera déterminant pour l’émergence et la reconnaissance de tous les talents féminins apparus durant la vague punk ...

De la même sur ce blog :
Radio Ethiopia


WAYNE KRAMER - THE HARD STUFF (1995)


The toughest ...

Y’a des noms comme ça, qui forcent le respect. Celui de Wayne Kramer par exemple. Parti de rien pour aller nulle part, et revenu de tout.
Wayne Kramer, l’une des deux guitares du MC5. Déjà, rien que ça, ça suffirait comme carte de visite à des milliards de types qui veulent se la jouer rocker dur. Mais c’est pratiquement une parenthèse dans la vie de Wayne Kramer. Le groupe enragé dissous vers 1972 dans une bourrasque de poudres blanches, Kramer va entamer un périple flirtant avec toutes les limites. Des trafics divers, des affaires un peu chelous pour commencer, et une virée au pénitencier. Rendu à la vie civile, une autre formation sponsorisée par les cartels colombiens, Gang War, avec Johnny Thunders, un autre sacré client en matière de guitares et d’opiacées. Des projets éphémères avec notamment des survivants du MC5 ou des amis-concurrents des Stooges …
Evidemment pareil pedigree n’attire pas les majors du disque, la musique jouée n’a pas trop de « potentiel » marchand, et tous ces garnements sont un peu plus difficiles à gérer que, au hasard (tu parles), la dizaine de cacochymes vieillards ayant fait partie de Yes qui s’entêtent à resservir leur daube à des grabataires sourds et consentants …
Il fallait un malade comme Brett Gurewitz, le boss du label Epitaph, qui au vu de son catalogue (Bad Religion, Turbonegro, Cramps, Tricky, Circle Jerks, …) s’y connaît un peu en cas sociaux imprévisibles, pour signer cette légende à la dérive. Même si Kramer n’a rien de la tête brûlée à laquelle il serait trop facile de le réduire. C’est un type qu’on respecte, voire admire, à la manière d’un Keith Richards ou d’un Lemmy (avec lequel, fatalement, il jouera pour des concerts tribute au MC5), et Kramer est encore en course pour être le dernier survivant de ce trio de défoncés, pour le moment c’est celui qui à l’air d’aller le mieux …
Donc, dès que la rumeur d’un retour au studio se répandit, les volontaires se trouvèrent légion pour venir l’épauler. Généralement tout un tas de durs à cuir(e) issus de la galaxie Epitaph, avec en tête les furieux Melvins, mais aussi des gens vus et entendus chez Rancid, Black Flag, ou dans des groupes de Detroit (Sweat Pea Atkinson, chanteur chez Was (Not Was), et le plus grand bassiste de tous les temps, James Jamerson des Funk Brothers himself). Le résultat est à la hauteur de ce casting bariolé. Là où l’on pourrait s’attendre à exclusivement du rock dur, garage, on est surpris par la variété sonore proposée.
A côté de titres « pour hommes » qui sont quand même majoritaires, on trouve des ballades dévastées, comme la fabuleuse « Junkie romance », très Keith Richards à bout de souffle (pléonasme), la rythmique funky d’une sorte de free-rock (« Incident on Stock Island ») comme il y a du free-jazz avec voix parlée, un titre dans la lignée de certaines dérives scéniques du Five ou des impros de Beefheart et Zappa. Un morceau qui trouve son pendant dans le dernier titre plus ou moins caché du Cd (« So long, Hank »). Kramer titille occasionnellement le hardcore (« Bad seed »), l’énorme ligne de basse de Jamerson emporte « Pillar of fire » vers les rivages du rock lourd seventies, « Realm of pirate kings » est très hendrixien avec ses guitares glougloutantes, l’intro de « Sharkskin suit » devrait parler à tous les fans de Noir Désir (ou du Gun Club), et l’inaugural « Crack in the universe » s’est souvent retrouvé sur des compilations « spécialisées » sans que l’on puisse pour autant le qualifier de hit.
Logiquement, l’impact commercial de « The hard stuff » sera limité (pour être gentil). C’est pas un disque qui s’adresse au grand public, c’est un peu réservé à la « famille ». Qui a été comblée, le disque est excellent et remettait sous les projecteurs une des légendes encore vivantes d’un des plus séminaux groupes de rock ayant existé …

THE ROLLING STONES - THE ROLLING STONES (1964)


Le début ...

Il était attendu ce disque … mais pas plus que d’autres. En 1964, les Rolling Stones n’étaient qu’un des noms de cette scène anglaise luxuriante obnubilée par les pionniers du rock’n’roll américain et les bluesmen de Chicago.
Les Stones n’ont jamais été les « Elus », ceux dont le succès était écrit d’avance. La concurrence était rude, Animals, Pretty Things et Them en tête. Les Beatles étaient déjà hors concours, avaient déjà sorti des disques, eu des 45T en haut des charts. Et puis le rock, c’était pas un métier. Peut-être une mode qui durerait avec un peu de chance une poignée d’années, autant que le skiffle, mais c’était pas « sérieux », pas « raisonnable », et le centriste Cliff Richard faisait déjà figure d’ancêtre. Le rock, c’était pour des jeunes un peu sauvages, un peu rebelles, ça ne durerait pas, et encore moins dans un pays aussi traditionaliste que l’Angleterre.
On peut rêver mieux comme fonds baptismaux. Sauf que les Stones, autant par hasard que par géniale anticipation, ont mené leur barque totalement à contre-courant pour finalement être ceux qui allaient réussir (si, si, un peu quand même …).
Une bande hétéroclite, ces Rolling Stones. Un batteur (Charlie Watts) déjà fan de jazz, un bassiste (Bill Wyman) obsédé sexuel et beaucoup plus vieux que les autres, deux ados (Jagger et Richard) qui avaient fait connaissance dans les transports en commun parce qu’ils se trimballaient avec les disques de blues qu’ils venaient d’acheter. Et puis deux cas à part, un beau gosse (Brian Jones), petite frappe, déjà marié et père de famille qui tapera dans l’œil du manager (Andrew Loog Oldham) de cette équipe hésitante, et un moche gosse (Ian Stewart), au physique jugé peu avenant pour les photographies et qui ne sera que jusqu’à sa mort le « sixième » Stones.
Hé là, pourquoi parler de photos, on parle de musique là, non ? Pas seulement, parce que, très vite, les Stones vont comprendre qu’il y a des choses au moins aussi importantes que les disques, que l’image, la réputation (ancêtre du buzz), sont également primordiaux. La pochette de ce 1er 33T est révélatrice. Seul Brian Jones, le beau gosse, est vêtu avec du blanc, est dans la lumière. C’est lui le leader, le point vers lequel doivent converger les regards. Mick Jagger est un peu avant aussi, c’est le chanteur, et Oldham pense que son côté lippu sympa pourrait également faire son effet… les trois autres sont dans l’ombre, trop communs.
Les Stones du tout début doivent tout à Oldham, c’est lui qui rédige les notes de pochette du disque, et sur celle-ci la fameuse sentence : « Les Rolling Stones sont plus qu’un simple groupe … ils sont une façon de vivre ». Une façon de dire « les enfants, la révolution est en marche, choisissez votre camp ». les Stones, qui dans la vraie vie ne le sont pas encore vraiment, seront les bad boys, les voyous de l’affaire.
Ce premier disque éponyme n’a rien d’exceptionnel, la concurrence fait au moins aussi bien. Tout au plus peut-on noter au niveau sonore ce fatras bordélique, ce bourdonnement crasseux qui les fera se distinguer puis s’émanciper de la meute. Les Stones jouent sale, primitif. Des reprises chaotiques, brinquebalantes de ces titres qu’ils ont écouté en boucle. Venant de l’autre côté de l’Atlantique. Les Stones ne sonneront jamais autant « américain » que sur cet opus inaugural. Leurs idoles sont de la revue, Muddy Waters, Jimmy Reed, Chuck Berry, Bo Diddley, Rufus Thomas, Bobby Troup, … Le groupe est en surchauffe, parfois à la peine (flagrant sur « I need you baby », « I just want ot make love to you », ou « Walking the dog », les versions originales sont meilleures), compense ses lacunes en jouant vite (« Route 66 », « Carol », ce dernier pour moi le meilleur titre du disque). Brian Jones bâcle ses tentatives de solo, Mick Jagger braille avec conviction, soufflant parfois dans un harmonica. Seule composition originale, « Tell me », signée Jagger-Richard, est une ballade un peu bancale, annonciatrice de leur bien meilleure « The last time », mais loin de laisser apercevoir les merveilles que ses auteurs écriront plus tard.
Le succès ne sera guère au rendez-vous, malgré une flatteuse et très éphémère première place au Top albums anglais. Le groupe et Oldham s’entêteront, Jagger et Richard s’efforceront d’écrire des titres, les Stones seront ambitieux en allant tourner aux Etats-Unis alors qu’ils ne sont même pas plébiscités chez eux. Cette volonté de mener une carrière « américaine », fera que jusqu’à « Beggars banquet » (1968), tous leurs disques sortiront sous deux versions différentes, « l’anglaise » et « l’américaine ». Au pays d’Elvis, ce « The Rolling Stones » se nommera « England’s newest hit makers », le « Not fade away » (qui deviendra leur premier hit en Angleterre) de Buddy Holly remplaçant dans le tracklisting le « I need you baby » de Bo Diddley.

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MARVIN GAYE - WHAT'S GOING ON (1970)


Le disque de l'émancipation ...

« What’s going on » inaugure le déclin et entérine le changement du style Motown. Déclin n’est peut-être pas le terme qui convient, parce que ce premier disque solo de Marvin Gaye ou plus encore ceux de Stevie Wonder afficheront des chiffres de vente plus que conséquents. Mais c’est toute une tradition, toute une culture de la maison de disques de Detroit qui se trouve remise en cause.
Motown, c’était l’usine à hits des sixties, axée sur le 45T. Une entreprise dirigée de main de fer par son créateur Berry Gordy. Avec une organisation quasi militaire. En haut, Berry Gordy, le Boss. A l’étage inférieur, les auteurs (Holland/Dozier/Holland, Smokey Robinson, …) et les musiciens (les Funk Brothers, fantastique groupe de studio qui joue sur tous les titres des 60’s). Viennent ensuite les stars, les figures de proue médiatiques du label (avec à leur tête Diana Ross, Gladys Knight, Little Stevie Wonder, …). Enfin, au bas de l’échelle, toute cette fourmilière d’employés attendant que le bon vouloir du maître leur confie une session de studio ou un titre à chanter. Marvin Gaye a commencé tout en bas, préparer le café, aller chercher des pizzas, ce genre de choses… De temps en temps, quand les Funk Bros étaient en tournée, il faisait des sessions à la batterie. Puis quelques chœurs sur les disques des autres. Puis on lui a refilé des morceaux que personne voulait chanter et dont il a fait des hits. Jusqu’à devenir au fil des années une des figures qui comptent dans le label. Et surtout un des rares à faire de la soul stricto senso, et à souvent chanter en duo avec Tammi Terrell. Un amour platonique unissait les deux, et elle s’effondrera dans ses bras sur scène, victime d’une tumeur foudroyante au cerveau, dont elle ne tardera pas à mourir. Marvin Gaye ne s’en remettra pas, abandonnant plus ou moins sa carrière.
Quand il veut revenir, il frappe un grand coup, entamant un bras de fer avec Berry Gordy pour pouvoir gérer seul sa carrière. Pas simple, la femme de Marvin, Anna, de dix-sept ans son aînée, est la sœur de Berry Gordy. Bonjour l’ambiance dans les repas de famille …
Marvin Gaye obtiendra gain de cause, il enregistrera ce qu’il veut, et ses disques continueront de paraître sur Motown. Lui qui jusqu’à présent était le chanteur soul, celui des bleus à l’âme et des peines de cœur, va effectuer par ses textes un virage radical. La Motown dans les sixties, c’était un peu le pays des Bisounours, les chansons « gentilles », alors que la communauté black américaine commençait à s’embraser (les émeutes de Watts, Angela Davis, Luther King, Malcolm X, James « say it loud, I’m black and I’m proud » Brown, …). Et là, coup sur coup, parce que la concurrence artistique et « politique » des autres labels la poussait au cul, Edwin Starr avec « War » et les Temptations avec « Ball of confusion » allaient remettre la Motown sur les rails de la revendication sociale … C’est dans ce contexte que paraît « What’s going on », qui sera le disque le plus résolument politique de Marvin Gaye.
Rien qu’à voir la pochette, on est frappé par ce regard hautain qui se fout de l’objectif du photographe, ce sourire un peu narquois, cette photo prise sous la pluie. A l’opposé des visuels traditionnels du genre. Sur chaque face du 33T original, tous les titres sont enchaînés, et construits autour de phrases musicales très proches. Une impression de n’avoir à faire qu’à des variations d’un même thème, impression renforcée par la voix de Marvin Gaye, qui se cantonne à un registre soyeux, léger, quasi murmuré … on est presque dans le concept album. Et puis, Marvin Gaye ne fait pas dans l’elliptique. De l’interrogation sur « l’état du monde » (« What’s going on »), de son rapport avec le mystique et la religion, (« Wholy holy », « God is love », Gaye est le fils d’un pasteur très strict qui l’assassinera le jour de ses 45 ans), de l’évocation de la guerre (« What’s happening brother », Marvin a son frère au Vietnam), de celle des ghettos noirs (« Inner City blues »), du monde que l’on laissera à nos enfants (« Save the children »), et même d’écologie, un mot très rarement utilisé à l’époque (« Mercy mercy me »). Sans oublier les poudres blanches qui sur la durée seront ses plus fidèles compagnes (« Flyin’ high »).
La musique, cette soul langoureuse et mid-tempo, soulignée par des cordes, des cuivres (mais toujours légèrement, on n’est pas chez Earth, Wind & Fire), s’orientant parfois vers des sonorités jazzy ou bluesy, va marquer son époque, orienter le son et générer les succès de toute une frange de la soul (Curtis Mayfield, Isaac Hayes, le Philly sound, …). Ce disque est un choc, tant pour l’esprit que pour l’oreille. Les hits seront là et bien là, trois titres classés en haut des charts (l’insurpassable « What’s going on », « Inner city blues », « Mercy mercy me »), l’album sera également un carton commercial, une influence durable (la réponse sarcastique de l’autre génie black du moment Sly Stone avec « There’s a riot goin’ on »), et régulièrement cité dans le Top Ten des meilleurs disques jamais publiès tous genres confondus …

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How Sweet It Is To Be Loved By You
Let's Get It On


ICE CUBE - THE PREDATOR (1992)


Carré ...

Ice Cube fait partie de cette poignée de rappeurs qui inspirent vraiment le respect. Faut dire qu’avant de se lancer en solo, il faisait partie des NWA, et çà, au début des années 90, c’était pas rien comme pedigree. Et évidemment, avoir fait partie de ce collectif de furieux qui ont tracé et défini tout le rap de la décennie, entraîne quelques solides inimitiés et préjugés. Avec le restant des NWA, logique, mais aussi avec l’opinion publique tant la réputation sulfureuse du posse de Compton servait de passeport.
Ice Cube, grande gueule toujours ouverte même quand il fallait pas, s’est vu taxer très vite de misogynie, machisme, racisme et antisémitisme. Et là où d’autres en ont rajouté dans la surenchère, lui a toujours cherché à se justifier, à ouvrir le débat, entamer la discussion, avec ses armes à lui, ses disques. Il n’en reste pas moins qu’Ice Cube reste un personnage assez ambigu, de par les rapports qu’il a entretenu avec un islamisme sinon radical du moins militant (la controversée Nation of Islam), ou encore avec le show-business (un monde qu’il dénonce, mais il a tourné dans un paquet de nanars hollywoodiens, après ses excellents débuts dans « Boys ‘n the hood » de John Singleton). Par contre, au niveau strictement artistique, y’a pas photo. C’est un des tout grands du rap …
Et « The predator » est avec « AmeriKKKa’s most wanted » considéré aujourd’hui comme ce que le rondouillet rappeur a sorti de meilleur. On y sent un Ice Cube très impliqué (il participe à la production, avec notamment DJ Muggs de Cypress Hill). « The Predator » est un disque sombre, avec beaucoup de rythmiques austères et martiales. C’est un disque typique de cette époque de l’âge d’or du rap « old school », axé sur des samples venant pour une immense majorité de la soul et du funk des années 60 et 70. Trois 45T « Wicked », « Check yo self », « It was a good day » aideront le disque à obtenir un succès conséquent. Sur quelques morceaux des guitares rageuses pointent le bout de leurs riffs, tendant des passerelles vers un rapprochement rap-heavy metal (l’autre Ice (T) fait déjà ça avec Body Count, et Ice Cube enregistrera plus tard avec les neo-metalleux de Korn).
« The Predator » est un des derniers éclats d’Ice Cube (le rap est le genre musical qui consomme le plus vite ses stars, tenir une poignée d’années au sommet est déjà un exploit) qui va, sentant le vent de l’oubli qui commence à souffler sur lui, se tourner de plus en plus vers le cinéma.
Le 7ème art n’y gagnera pas grand-chose, le rap va perdre une de ses figures de proue les plus intéressantes. Ice Cube continue de loin en loin de sortir des disques qui n’émeuvent plus guère les foules.

Du même sur ce blog :
AmeriKKKa's Most Wanted


DAVID BOWIE - THE NEXT DAY (2013)


Hero to Zero ?

Que voilà un disque qui a priori fait plaisir. Le premier de Bowie depuis dix ans (l’oubliable « Reality »). Un Bowie, dont hormis une chronique nécrologique (depuis des années, le Net bruissait de rumeurs de fin prochaine, rumeurs se répandant encore plus vite que les supposées métastases qui étaient censées l’emporter sous peu), je n’attendais rien de bon, discographiquement parlant. Et donc ce disque est une bonne nouvelle inattendue.
Mais à la réflexion, que peut-on attendre d’un type de soixante-six ans, qui semblait avoir mis un terme à sa carrière depuis que son cœur avait failli lâcher ? Qu’attendre en 2013 d’un gars qui n’a pas sorti un bon disque depuis, allez, « Scary monsters » en 1980 ? Et que des fans énamourés ne viennent pas me dire que Tin Machine était un concept intéressant, qu’il y avait des choses à sauver dans « Tonight », ou que ses disques « électro » traduisaient une remarquable ouverture d’esprit caractéristique de ce grand artiste vers des sons nouveaux qui … bla-bla bla, bla-bla-bla, … De la daube, toutes ces rondelles, qui merci à tous, se sont très bien vendues (beaucoup mieux que ses vrais bons disques) et l’ont mis, lui, sa jolie jeune femme et sa famille, à l’abri du besoin …
Parce que, je vais vous dire, Bowie, j’ai un peu écouté (vite fait, des centaines de fois chacun) pas mal de ses skeuds, et il a été fabuleux dans les rugissantes seventies quand il avait deux ou trois disques d’avance sur toute la concurrence, quand « Ziggy Stardust » annonçait le punk, quand « Young Americans » annonçait le disco, « Station to station » la cold wave, « Low », « Heroes » et « Lodger » l’avènement de l’ambient et de la musique faite par des machines, et  « Pin Ups » toutes les nostalgia à venir. Tout ça en moins de dix ans, avec au moins deux douzaines de titres officiels par an, dont la moitié dignes de figurer sur un Best of. Et Bowie a fait comme les autres, a décliné, est peu à peu descendu de son inaccessible Olympe. Dans les années 80, il a fait du fric avec de mauvais disques, se contentant de coller à l’époque, ayant perdu toutes ses longueurs d’avance sur la meute. La décennie suivante, on l’a vu courir après tous ces djeunes et leurs drôles de machines qui inventaient chaque année une tendance électronique nouvelle alors que lui essayait de copier celle de l’année d’avant. Un Bowie artistiquement has-been, se contentant de son vieux répertoire pour allumer l’étincelle dans les yeux du public lors de ses concerts …
Bowie est un malin. Le premier de cette génération de dinosaures grisonnants à avoir compris tout l’intérêt qu’il y avait dans l’internet (Bowienet, son site perso, a été créé en 1998), et maîtrisant cet outil de communication mieux que quiconque. Alors que tous les autres s’acharnent à créer un buzz par définition éphémère, silence radio total de Bowie depuis des années. Et puis, comme ça, sans prévenir, sans que le moindre fouille-merde numérique ait vu venir quoi que ce soit, il sort  le 8 Janvier, jour de son anniversaire, un clip d’une nouvelle chanson et annonce la parution d’un nouvel album sous les deux mois. Onde de choc médiatique, tout le monde y va de son couplet sur la merveille à venir du dernier des géants du rock. Et arrive « The next day », qui s’écoule instantanément comme des petits pains. De la belle ouvrage, plan marketing génial …
Bowie a toujours été un vampire, se délectant du sang de prédécesseurs et précurseurs inconnus ou oubliés pour créer sa propre musique et renaître artistiquement à chaque fois, Phénix musical sans équivalent. Maintenant, malgré son âge avancé, au lieu de s’inspirer des autres, il veut prouver qu’il bande encore, et se livre à un grand numéro d’auto-fellation contorsionniste  en recrachant au final (il avale pas, c’est so vulgaire) ses propres idées. Ça commence avec la pochette, caviardage de celle de « Heroes », la réunion en studio de vieux potes (Tony Visconti, Earl Slick, Gail Ann Dorsey, …) obligés par contrat de garder le secret le plus absolu jusqu’à la sortie du disque. Bowie, lui, comme dans le sketch des Guignols il parle pas à toi, et a juste fait savoir qu’il ne défendrait pas ce disque sur scène. Ne parlons même pas d’envie, le pourrait-il d’ailleurs ? Il suffit de voir les rares photos récentes de lui pour s’apercevoir qu’il est encore plus maquillé que du temps de la pochette de « Aladdin Sane », mais maintenant juste pour avoir apparence humaine. C’est pas Dorian Gray, juste un sexagénaire bien abîmé par ses excès passés … La voix, on s’en rend vite compte, a morflé. Certes Bowie est resté un grand interprète, chante bien et juste, mais se cantonne dans un registre medium, évitant les descentes dans les graves, et s’interdisant toute montée dans les aigus.
Passe encore, mais le plus grave, c’est qu’il n’a pas été foutu de composer en une décennie de quoi remplir dignement un disque. Les titres à sauver, maintenant que le vinyle devient so branché, rempliraient tout juste un maxi 45T, c’est dire l’ampleur des dégâts.
« The next day » commence pourtant plutôt pas mal. La chanson-titre, intéressant pop-rock, renvoie instantanément au son de « Scary monsters », et peut passer pour un exercice de style amusant. Les deux singles éclaireurs « Where are we now » et « The stars (are out tonight) », bénéficiant de clips chiadés renvoient pour le premier à ses antiques ballades crépusculaires (« Word on a wing », ce genre), le second à ses années 80 (son film de vampires « The hunger », sa musique indigente période « Never let me down »). Sans les images, ces morceaux sont tout à fait anodins.
Le tour du proprio est vite fait. A sauver de cette auto-parodie, des choses comme « Valentine’s day » furieusement réminiscent « Aladdin Sane – Diamond dogs » avec son solo de guitare calqué sur celui de « Panic in Detroit ». Ou l’amusant « Dancing out in space » (clin d’oeil à une époque où il dansait dans les rues avec Mick Jagger), titre reposant sur une rythmique Motown revisitée electro façon Kraftwerk meets Aphex Twin.
Les titres restants, une bonne dizaine tout de même, sans compter les trois « bonus » de la DeLuxe Edition (DeLuxe pour trois titres, faut pas déconner, à une époque ce label DeLuxe voulait dire que l’on doublait voire triplait la durée du disque initial), faudra beaucoup de pouvoir de persuasion au fan-club pour me convaincre qu’ils présentent le moindre intérêt. Et comme y’a vraiment pas grand-chose à sauver, Bowie et Visconti qui sont pas tombés de la dernière pluie, ont mis la batterie et les claviers-synthés très en avant, pour masquer un assortiment de rengaines fadasses, d’arrangements centristes, de mélodies bancales, enrobés d’effets sonores BCBG. Et qui toutes renvoient à des choses déjà entendues chez lui, et pas celles qu’il a faites de mieux. Le funeste « Never let me down » est souvent évoqué, des sonorités très « Lodger » (pas de bol, c’est le moins bon de la trilogie berlinoise) apparaissent ici où là, on n’évite pas la chanson pompeuse à la Scott Walker « You feel so lonely … », assortie de chœurs à la « Rock’n’roll suicide » …
« The next day » a rempli à merveille son office, faire parler de son auteur alors qu’il n’a plus rien à dire (ni à prouver d’ailleurs). Peut-être pour préparer le terrain à d’autres sorties de disques (des rééditions, des inédits, des machins remastérisés, remixés ou que sais-je encore, …). On se retrouve avec l’équivalent du tapage médiatique qui avait entouré la sortie du dernier disque des Stones (« A bigger band » en 2005), lui aussi présenté comme un retour à ce que les Stones avaient fait de meilleur, et dont je mets quiconque au défi de me citer un seul titre… Et rendez-vous dans un lustre pour discuter des chansons de ce « Next day » qui auront marqué leur époque … j’ai bien peur que le compte soit vite fait …
Non, on ne jette pas les disques de Bowie à la poubelle. Il y a des choses qui ne se font pas … Mais c’est pas l’envie qui manque …

Du même sur ce blog :
The Man Who Sold The World 
Aladdin Sane
Station To Station
Heroes
Tonight


STANLEY DONEN - LES SEPT FEMMES DE BARBEROUSSE (1954)


Un sommet ... du kitsch

Et pourtant il y a un gros poisson derrière la caméra. Stanley Donen, seulement vingt-sept ans au moment où il commence le tournage, mais déjà chorégraphe superstar de la MGM et réalisateur pour cette firme de deux comédies musicales au succès gigantesque, « Un jour à New York », et surtout la référence absolue du genre « Chantons sous la pluie ».
Et déjà, à l’époque, on peut constater que l’industrie cinématographique hollywoodienne ne jetait pas les dollars par les fenêtres, car tout Donen qu’il était, il se verra allouer un budget quasi misérable pour son nouveau film. Tiré d’un bouquin, déjà extrapolation d’un épisode de la mythologie romaine (l’enlèvement des Sabines), et originellement nommé comme lui « The sobbin’ women ». So what ? Des femmes qui chialent ? Cherchez autre chose comme titre a dit la production. Titre suivant proposé : « A bride for seven brothers », qui aurait certainement fait l’affaire chez Marc Dorcel, mais là, nouveau refus. Le suivant sera le bon, « Seven brides for seven brothers », évidemment traduit stupidement en français … et pourquoi sept ? ben voyons, les sept nains, les sept femmes de Barbe-Bleue, tout çà, le scénariste avait pas trop envie de se compliquer la tâche. Donen va se retrouver en plus avec un cahier des charges compliqué. Il devra tourner en Cinémascope (premier film dans ce format pour la MGM), lui qui n’est pas un technicien de la caméra, et pour assurer le coup, retourner les scènes au format « normal ». Deux films pour le prix d’un en sorte, c’est la version en scope (et en stéréo) qui sera diffusée …
L’histoire se passe en 1850 dans l’Oregon et ses majestueux paysages naturels … en carton massif. Tout a été tourné en studio et ça se voit très très beaucoup (scène gag involontaire du film : une ouverture hors champ de cages aux oiseaux dans un cadre bucolique, et les pauvres piafs qui vont se crasher dans le décor de fond, on le distingue parfaitement …). Pire, Donen n’a que deux acteurs de comédies musicales confirmés, Howard Keel et Jane Powell, qui auront les rôles principaux. Le reste du casting, c’est pas une blague, sera pris parmi les gens sous contrat avec la MGM et qui ne sont pas en train de tourner un autre film. Il en manque encore, mais qu’à cela ne tienne, des danseurs venus du classique tout ce qu’il y a de sérieux et des acrobates de cirque complèteront le casting. Il en manque toujours ? Et bien quand tous les autres multiplieront les acrobaties, ceux qui ne savent pas danser resteront assis et taperont la mesure pendant que ceux qui savent danseront …
Forcément, tout ça finit par laisser des traces à l’écran. Le genre en lui-même implique un scénario cousu de fil blanc, faut pas trop chercher à s’intéresser à l’intrigue, c’est obligatoirement une happy end. Point de départ : sept frères roux (pourquoi roux ? on sait pas) et célibataires vivent dans une ferme perdue, et le film nous narre leurs tribulations pour trouver épouse. Jeu des acteurs sommaire assorti de force grimaces expressives, gags et répliques ultra-téléphonés, même Christian Clavier aurait eu l’air bon dans ce truc, c’est dire … mais la comédie musicale est un genre très codifié qui se doit de proposer un spectacle populaire et familial, et ce film a rempli parfaitement son rôle, gros succès en salle (cinquième meilleure fréquentation aux Etats-Unis en 1955), et les producteurs doubleront leur mise …
Aujourd’hui, c’est le type même de film qui a sévèrement morflé. C’est naïf, criard, furieusement kitsch, un vestige d’un autre temps et surtout d’une époque où le public n’avait pas les mêmes goûts et les mêmes attentes qu’aujourd’hui face à un film. D’autant plus que « Les sept femmes … » est largement surestimé. Ses chansons n’ont pas traversé le temps, l’intrigue est d’une niaiserie confondante, et les faiblesses du casting font qu’on n’a pas droit à de grands numéros sophistiqués de danse. A une exception près, Donen a mis le paquet sur une scène, dite « de la grange », qui a nécessité trois jours de tournage plan par plan, et où, tirant profit de l’hétérogénéité de ses acteurs, on passe de quadrilles enlevés, à des numéros assez spectaculaires de danse classique ou d’acrobatie.
Pour le reste, il n’y a pas vraiment de quoi se relever la nuit …

STEPHEN STILLS - MANASSAS (1972)


Le super-groupe de Stills

Quelque peu oublié aujourd’hui, Stephen Stills était au début des années 70 un des grands noms du rock ayant tour à tour fait partie de Buffalo Springfield, Kooper – Bloomfield – Stills, Crosby Stills Nash (& Young). Peut-être un petit problème d’ego, ce n’était pas forcément lui la star dans tous ces groupes. Et donc à la première occase, en l’occurrence l’implosion d’un CSN & Y en pleine gloire, Stills monte un projet mahousse, un brin mégalo, un (what else) super-groupe.
Alors que la plupart de ces conglomérats de people se limitaient généralement à un trio hyper technique (prototype : Cream), Stills va mettre sur pied une équipe très étoffée, en s’adjoignant six compagnons d’armes. Evidemment, lire le casting de la formation de Stills aujourd’hui, à moins d’être un passionné de ces vieux sons pour grabataires, n’est pas très parlant. Mais à l’époque, des gens comme Chris Hillman (Byrds puis Flying Burrito Bros), Al Perkins (accompagnateur de Gram Parsons), Samuels et Taylor (la section rythmique de CSN & Y), Joe Lala ou Paul Harris (musiciens de sessions très cotés) avaient été de tous les bons coups californiens et bénéficiaient d’une notoriété certaine.
« Manassas » sera un double vinyle, et entend bien marquer son temps. Il y réussira, définissant les bases d’un rock américain « West Coast », qui culminera quelques années plus tard avec le succès (hold-up ?) des Eagles. On trouve dans cette musique un retour aux sources (touches de country, bluegrass, blues, rock’n’roll …), enrobé de guitares souvent furieuses (Stills est un excellent guitariste), porté par de superbes harmonies vocales. Stills montre qu’il est en outre un superbe compositeur tout-terrain (il signe seul pratiquement tous les titres), avec  les magnifiques mélodies pop de « Both of us » et « It doesn’t matter ». Et comme il a traîné suffisamment de temps avec Neil Young, ça laisse des traces, l’écriture  est parfois similaire (« Hide it so deep », « Colorado »).
Chaque face du vinyle original avait un titre (titre de la dernière : « Rock and roll is here to stay », quand je vous parlais de Neil Young …) et une couleur sonore plus ou moins homogène, et le disque se terminait par un hommage (« Blues man ») aux premiers héros du rock tombés guitare à la main : Jimi Hendrix (pote de jam de Stills), Al Wilson de Canned Heat et Duane Allman.
Et même si aujourd’hui, on peut trouver à la longue dans « Manassas » quelques redites et quelques longueurs datées, il n’en constitue pas moins la pièce maîtresse de l’œuvre de Stills et un des disques de référence du rock californien des années 70. Si le terme avait existé à l’époque, on dirait que c’est un grand disque d’americana.
Le « groupe » fera paraître un an plus tard une suite (« Manassas down the road ») sans trop de conviction, avant que trop d’egos au mètre carré conduisent à l’éclatement logique, chacun s’en retournant avec plus ou moins de bonheur vaquer à ses projets solo … 

JOHNNY CASH - AT HIS MIGHTY BEST VOL. 3 (1992)


De bric et de broc ...

Une compilation française, oui Monsieur … et comme tout ce qui touche au rock au sens large dans ce pays, un truc étrange et assez mal foutu … Sorti à une époque, où des épiciers du disque, auto-proclamés « agitateurs culturels » avaient monté un label, originalement nommé FNAC Music, sortant des compilations de vieux trucs dont plus personne voulait, distribuant  également quelques labels indés français, tout ça pour surfer sur la vague d’un support Cd en pleine croissance.
Et parmi tous ces machins antiques un peu ringardisés à l’époque, Johnny Cash. Totalement out, l’Homme en Noir, au début des années 90. Pas encore pacsé avec Rick Rubin, Cash enregistrait au jour le jour des disques chez qui voulait bien le signer. C’est sans doute sans trop de difficultés et à bon prix que la FNAC a récupéré les autorisations sur son fonds de catalogue. Et sorti trois compilations « At his mighty best » de vingt titres chacune.
Mighty best si on veut. Des titres piochés certes dans sa bonne période des débuts chez Sun de 58 à 64 (mais Cash sortait aussi en même temps des disques chez Columbia à partir de 1960), jetés sur des rondelles brillantes en dépit de tout ordre chronologique ou de toute thématique, avec un livret qui assure tout juste l’essentiel des informations légales. Alors on se retrouve avec quelques morceaux connus et puis d’autres titres beaucoup plus anecdotiques, même si les ingrédients de base sont là : la structure rythmique quasi inamovible, la voix de baryton à tendance sépulcrale, l’atmosphère austère et dépouillée typique de l’époque Sun. Au fil des ans, l’accompagnement s’étoffe un peu, des chœurs sont présents (Les Tennessee Riders ou la Carter Family).
Le matériau essentiel de cette compilation est de la good old country, sous forte influence Hank Williams (de toutes façons, de tous ceux de l’écurie Sun, Cash est celui qui a le moins donné dans le rock’n’roll). L’ensemble des vingt titres est correct, rien de rare ou d’inédit tant les compilations ou rééditions avec bonus des disques de l’Homme en Noir sont innombrables. Meilleurs titres du lot : les plus ou moins « classiques » « Rock island line », « I love you because », « I could never be ashamed of you », « Next in line », « It’s just about time ».
Le label Fnac Music n’ayant duré que quelques années, ces Cds n’ont jamais été réédités, mais se trouvent encore d’occase pour quelques euros (ça vaut pas plus) sur les sites spécialisés.

Du même sur ce blog :
American IV The Man Comes Around


SIMPLY RED - SIMPLY RED (1985)


Peloton, en joue ...

Ah que voilà une victime idéale … Mick Hucknall, le rouquemoute préféré des ménagères anglaises ménopausées. Mick Hucknall, le type aux roucoulades lacrymales à faire passer Lionel Richie pour un death metalleux. Mick Hucknall, le plus sérieux concurrent de Robbie Williams pour le nombre de groupies baisées, ça se chiffre paraît-il en milliers …
Tiens d’ailleurs, marrant le parallèle. Williams a commencé à faire partie d’un boys band assez horrible, avant de faire des disques solo parfois, j’ai bien dit parfois, écoutables et sympathiques. Mick Hucknall, c’est l’inverse. Aujourd’hui au stade ultime de la ballade pourrie, il avait pourtant assez bien commencé.
Très années 80, les Simplement Rouge
Simply Red était à ses débuts au milieu des tristes années 80 un groupe de blue-eyed soul très convenable. Enfin blue-eyed n’est pas exactement le terme qui convient, il y avait deux blacks dans le groupe. Et même si c’est Hucknall qui est sur le recto de la pochette, les autres ont droit aussi à leur portrait façon poulbot au verso. Et tous participent à l’écriture des titres originaux de l’album.
Simply Red, comme son nom ne l’indique plus aujourd’hui, a commencé dans la mouvance du Red Wedge et de tous les plus ou moins marxistes plus ou moins chantant (Billy Bragg, Paul Weller, Jimmy Sommerville, … les anti-Thatcher ratissaient tous les genres musicaux). Même si côté textes c’est pas des œuvres de Marx mises en musique, on décèle dans ce disque quelques allusions « sociales », quelques messages « engagés ».
Bon, au niveau sonore, ce disque a pris un coup de vieux. Si l’on ne trouve pas les funestes synthés analogiques 80’s sempiternellement mis en avant dans les productions d’époque, n’en restent pas moins quelques tics de la période, comme la basse slappée très en avant de « No direction » ou la rigidité de certains rythmes qui se veulent dansants (« Red box »). Disque de soul blanchie, disque hommage aussi, l’influence de quelques figures du genre étant plus que perceptible sur des titres comme  « Jericho » (Stevie Wonder), « Holding back the years » (Marvin Gaye), « Look at you now » (Earth Wind & Fire, pas une bonne idée, celle-là). Et puis, faut le reconnaître, Hucknall chante bien, proprement, fait très correctement son boulot derrière le micro.
Avec le recul, on perçoit bien la faiblesse de quelques morceaux, qui passaient mieux dans le contexte de l’époque, et on remarque que deux des titres les plus connus (« Heaven » et « Money’s … ») sont des reprises, respectivement des Talking Heads et des méconnus Valentine Bros, traduisant bien quelques lacunes au sein de cet équipage plutôt pléthorique (ils sont six dans le groupe) à assumer seul la composition. D’ailleurs, au fil des albums suivants (à succès voire gros succès), le rouquin sera de plus en plus mis en avant, devenant finalement Simply Red à lui tout seul.
« Money’s too tight » (tournerie post disco qui fait bien son âge maintenant) et « Holding back the years » (slow pour clubs chicos) cartonneront all around the world, mais le jazzy « Sad old red » ou le « Picture book » et sa lente rythmique dub sont les meilleurs titres restés dans l’ombre de ce disque. Qui reste loin de ses inspirateurs soul des années 60 et 70, mais est encore écoutable de nos jours.
Finalement, l’exécution du sieur Hucknall n’aura pas lieu pour ce disque …

RAMONES - RAMONES (1976)


Brothers in arms ...
Les Ramones, c’est un peu les Dalton du punk. Sauf que contrairement aux faire-valoir de Lucky Luke, les Ramones ne sont pas frères et pas aussi cons que ce qu’ils ont l’air.
Même si dans le trio fondateur (Dee-Dee, Johnny et Joey), ils sont quand même un peu cinglés à le base, en tout cas pas dans la « norme », que ce soit dans leurs goûts musicaux ou dans leur façon de s’habiller. Rassemblés par ce qu’ils détestent (le style west-coast, les hippies, le prog), plutôt que par ce qu’ils aiment (seuls les Beatles font l’unanimité, leur nom vient d’un pseudo – Paul Ramon – que McCartney utilisait lors de l’épisode Hambourg de la saga des futurs Fab Four), ils vont instaurer un look (cheveux longs, lunettes noires, Perfecto, tee-shirt, jeans troués, Converse) recopié jusqu’à l’écœurement depuis par tous ceux qui se sont cherchés une crédibilité « rock ».
Ces trois-là n’auraient certainement jamais fait parler d’eux s’ils n’avaient pas croisé la route du quatrième larron, Tommy, un ingénieur du son, qui deviendra le batteur, le producteur et un peu la tête pensante du groupe. Pas envie et pas les moyens techniques de rivaliser avec Genesis ? Et bien, les Ramones vont faire dans la simplicité, dans le dénuement. Intro, couplet, refrain, deux minutes (voire moins) chrono, avec en point de mire l’évidence des ritournelles sixties en général, et celles produites par Spector en particulier. Les Ramones n’ont pas lu Tolkien ou Huxley ? Pour les textes (une centaine de mots, des fois moins), ils parleront de leur quotidien, de sniffer de la colle, de glander, de se sentir un peu paumé, de pas savoir comment s’y prendre pour draguer les filles. Contrairement aux punks anglais, les Ramones n’ont pas vraiment de message social ou politique (de ce côté-là il vaut mieux, Johnny et Dee-Dee ont plus tard confirmé par quelques déclarations « malheureuses » qu’ils étaient de gros réacs).
Les Ramones vont se retrouver avec une crédibilité en béton, parce qu’ils sont « vrais », ce ne sont pas des fils de bonne famille (ils viennent du quartier populaire du Queens) qui jouent les prolos, ils ont tâté de la petite délinquance, du gnouf, de l’hôpital psy, ne font pas de la musique pour se payer une villa sur les collines de L.A.
Les Ramones sont new-yorkais, et tous les endroits, tous les rades minables où ils vont être parmi les premiers de tous ceux qui deviendront la « vague punk » à se produire, feront dès lors partie de la légende urbaine et musicale de la ville (le CBGB, le Max’s Kansas City, …).
Ramones Live CBGB 1976
Les Ramones seront bizarrement signés sur une major (Sire) et vont sortir dès 1976 ce premier disque éponyme. Un disque au moins aussi important que le 1er Velvet, pour les vocations qu’il va engendrer de part et d’autre de l’Atlantique. Ignorés par les « musiciens », méprisés par la presse (par ici, ce disque avait été descendu en flammes par Philippe Manœuvre), les Ramones vont devenir au même titre que les New York Dolls ou les Heartbreakers de Johnny Thunders les références incontournables de la vague punk anglaise de 77.
S’il ne fallait retenir qu’un seul disque des Ramones (bien que jusqu’à et y compris « Pleasant dreams » ils soient tous indispensables), ce serait forcément celui-là. Le plus primaire, le plus j’menfoutiste … Celui qui contient le plus de leurs hymnes minimalistes définitifs (« Blitzkrieg bop », « Beat on the brat », « I wanna be your boyfriend », « Now I wana sniff some glue », « Let’s dance », « Today your love, tomorrow the world », … en fait tous les quatorze titres méritent la citation). Des titres rapides, à la limite de leurs capacités, basés sur des accords simplistes, des mélodies de quatre notes, … « Ramones » est une profession de foi, un manifeste. Indépassable, car contrairement à tous ceux qui enregistrent des disques, les Ramones ont placé la barre le plus bas possible. La preuve ? Dans la réédition Cd de 2001, on a droit en bonus à quelques démos et maquettes des titres. Et là, surprise, ces démos et maquettes sont beaucoup plus en place, beaucoup plus « finis » (enfin, tout est relatif, on parle des Ramones) que les titres officiels. Délibérément, sciemment, les Ramones ont choisi de sortir le disque le plus « mauvais » possible. Vous avez dit punk ?

VAN MORRISON - MOONDANCE (1970)


Il a demandé à la Lune ...

Rares sont ceux qui ont quitté un groupe relativement connu, ont changé assez radicalement leur style musical, et rencontré un succès supérieur. Même si Van Morrison n’a jamais été un gros vendeur …
Irlandais, chanteur au tempérament et au gosier de feu des Them, performance incandescente sur « Gloria », un des près fameux titres des sixties (et qui près de cinquante ans après les faits, est toujours une planche de salut en concert pour les groupes avec un répertoire personnel un peu mou du genou), Van Morrison envoie bouler ses potes, quitte le London pas encore tout à fait swingin’ pour New York. Là, un premier hit « Brown eyed girl », des séances qui n’aboutissent à rien (les bandes sortiront des décennies plus tard). Van Morrison va jouer son va-tout, faire une croix sur tout plan de carrière, tourner le dos au rock et au rhythm’n’blues, et enregistrer avec les moyens du bord et un groupe de jazzeux de studio « Astral weeks », que l’on retrouve vers le haut de toutes les listes des meilleurs disques de tous les temps. Perso, « Astral weeks », avec son joli hermétisme musical dont se délectent les gens prétendus de bon goût me gave assez vite, ça m’accroche pas trop.
« Moondance », on y vient, est le disque suivant. Qui reprend peu ou prou les mêmes recettes, mais avec des musiciens différents, des titres plus concis et une production de Van the Man himself. Moins mignon et plus direct en somme… La poésie onirique de « Astral weeks » se voit traversée par un souffle lyrique qui emporte tout, le jazz, le blues, la soul, le rhythm’n’blues, le rock … Autant pour moi « Astral … » est un disque froid, « éteint », autant « Moondance » est un brasier dans lequel Morrison se consume et nous consume … sans faire rugir guitares et Marshall, sans gueuler comme au temps des Them … pas de technique, pas de physique, du feeling …
Pour moi, il n’y a rien qui arrive à la cheville de « Moondance » dans l’œuvre de Morrison, et pas grand-chose chez la concurrence. Il y a tout dans « Moondance ». La voix qui arrive dès la première seconde du premier titre « And it stoned me ». Une voix facile, toute en retenue et nuances, avec en filigrane une puissance phénoménale en réserve. Les compositions, toutes signées du seul Morrison. De l’écriture dans une sorte d’état d’apesanteur ou d’état de grâce, comme on veut. On passe des ballades éternelles (« Crazy love », la perfection faite chanson, « Brand new day », le « Whiter shade of pale » de Van Morrison, le côté pompier de Procol Harum en moins) aux vapeurs jazzy de « Moondance » le titre, aux parfums baroques de « Everyone », au rhythm’n’blues de « Caravan » sur lequel Van Morrison lâche les watts vocaux au refrain. Il se dégage du disque une impression de calme, de majesté, de fausse simplicité (ça fourmille de trouvailles et d’arrangements).
« Moondance » est totalement anti-commercial, ne se rattache ni ne suit aucune mode (un seul titre « léger », enjoué et sautillant, « Glad tidings »). On y trouve par contre toute la ferveur religieuse et mystique de cette terre d’Irlande qu’a quittée Morrison, sur « Come running » et ses intonations gospel, et surtout sur le sommet de ce disque (et même de la carrière de Morrison ») qu’est le fantastique « Into the mystic », le genre de titre qui rend obsolète tous les machins celtiques enregistrés par tous ces bardes à la petite semaine qui nous les brisent avec leurs binious, leurs renards et leurs belettes …
Tout à fait logiquement, l’audience de ce disque sera famélique, Van Morrison, à l’humeur ronchonne légendaire, n’étant de plus guère enclin à participer à un cirque promotionnel quelconque. Il reste aujourd’hui un des derniers dinosaures en activité, même si sa production a fortement baissé en qualité et originalité depuis le milieu des années 70. Et sans jamais rien qui atteigne le niveau d’exception de ce « Moondance » … 

Du même sur ce blog :

OTIS REDDING - OTIS BLUE (1965)


Respect ...

Avec ce disque, les choses sont simples. Au chant, Otis Redding, le plus grand chanteur des années 60. Derrière lui, le meilleur backing band du siècle dernier (et suivants), Booker T & the MG’s. Et accessoirement, « Otis blue » est le meilleur disque d’Otis Redding.
Vous me croyez pas ? Faut que j’explique ? Bon, vite fait alors, z’avez qu’à écouter le disque … Comment, vous l’avez pas ? Shame on you !
Otis Redding, d’abord. Qui fait même pas partie du Club des 27, puisqu’il est mort à 26 ans. Et qui n’a enregistré des disques que les quatre dernières années de sa courte vie. Aussi peu de temps en activité, et une telle réputation, cherchez pas, y’a que Buddy Holly et Hendrix dans ce club-là. Otis Redding a révolutionné la façon d’aborder la soul music. En ne cherchant pas la version vocale parfaite, mais la plus viscérale. Otis, c’est pas le chant le plus pur, c’est le chant le plus expressif, usant et abusant de brusques sautes de tonalités et d’un tremolo instantanément reconnaissable. Un chanteur explosif, encore meilleur sur scène qu’en studio, où il dynamite ses classiques, ou ceux des autres.
Les MG’s. Déjà à la base un truc hors normes. Deux noirs et deux blancs à une époque où les groupes interraciaux étaient aussi rares que des lueurs d’humanité dans le regard de Bachar el-Assad. Booker T Jones à l’orgue, Al Jackson à la batterie, et les deux visages pâles Donald « Duck » Dunn à la basse et Steve Cropper à la guitare. Le groupe de studio attitré des artistes Stax-Atlantic, des forçats de la session, mais pas seulement. Entre 63 et 72, des centaines de titres sur lesquels ils jouent, une dizaine d’albums instrumentaux sous leur nom, plus les tournées derrière les fameuses revues Stax. Sur « Otis blue », ils bénéficient de l’apport  d’un inconnu qui ne le restera pas et qui commence à faire ses gammes aux claviers (Isaac Hayes) et d’une section de cuivres.
Donald Dunn, Booker T Jones, Steve Cropper, Al Jackson. : Booker T. & the MG's 
« Otis blue ». Trois énormes classiques de Redding et des sixties en général, « Respect », « Shake », « I’ve been loving you too long ». « Respect », ce sera un encore plus gros hit par Aretha Franklin trois ans plus tard. La diva chouchroutée en donnera une version plus radiophonique. Ici, c’est la version originale, écrite par Otis lui-même, plus brute de décoffrage, plus vivante aussi. « Shake », une reprise de Sam Cooke (l’idole de Redding) c’est un rhythm’n’blues syncopé et furieux. « I’ve been loving you too long », c’est la plus belle ballade soul du monde. Frissons garantis. Et les sept autres titres, c’est pas du remplissage, ils auraient fait la joie de beaucoup à l’époque, et ne comparons même pas avec les pénibles brailleries d’aujourd’hui. Une majorité de reprises (Otis ne signe ou co-signe que trois titres). Deux autres de Sam Cooke, son posthume et plus gros hit « A change is gonna come », débarrassé ici des encombrants violons qui parasitaient la version originale, et également « Wonderful world » avec un gros travail sur la batterie et les cuivres. Une reprise du « My girl » des Temptations, relativement différente de l’originale, les deux sont monumentales. Plus sujette à discussion est la version d’Otis de « Satisfaction » de … qui vous savez, ou alors putain, qu’est-ce qu’on vous a appris à l’école ? Ce titre est l’hymne définitif avec son riff très chargé en fuzz qui a ouvert la voie à tout le rock garage des 60’s. Joué « proprement » par Cropper, et avec l’adjonction d’une section de cuivres comme ici (pour l'anecdote les cuivres étaient prévus sur la version des Stones qui finalement n'en ont pas voulu), c’est radicalement différent, très orienté rhythm’n’blues. Techniquement la version d’Otis est évidemment parfaite, qu’il me soit permis de quand même préférer d’assez loin l’originale. A côté de pareille avalanche de merveilles, les titres restants ont eu du mal à se frayer un chemin vers la gloire. Ils n’en démontrent pas moins le génie vocal de Redding et la mise en place fabuleuse des MG’s. Que ce soit sur du strict blues (« Rock me baby » signée B.B. King) que feraient bien d’écouter ceux qui ne jurent que par Mayall ou Fleetwood Mac, ils verraient la différence entre les bons élèves appliqués et les maîtres (avec un solo de Steve Cropper efficace, et non pas démonstratif par exemple). Que ce soit sur le rhythm’n’blues (« Down in the valley »), ou la ballade soul (« You don’t miss your water », siamoise de « I’ve been loving you too long », c’est dire le niveau). S’il fallait à tout prix déceler dans cette demi-heure magique un maillon faible, mon choix se porterait sur l’introductif « Ole man trouble », pourtant un indéboulonnable dans la kyrielle de compilations consacrées à Otis Redding.
Putain d’avion …

ELECTRONIC - ELECTRONIC (1991)


Super groupe et super daube ...

Alors là, attention, c’était la grosse affaire (de la semaine) ce truc … Pensez, les célébrissimes ( ? ) Bernard Sumner et Johnny Marr montant un groupe, limité à leurs deux seules augustes personnes.
Par ici, on en avait rien à secouer, personne achetait les disques des Smiths ou de New Order. Par contre au pays de Churchill, ces deux groupes avaient écrasé par leurs ventes les années 80. Mais déjà, le nom même du groupe interpelle. Deux guitaristes, pas spécialement réputés pour leur sens de l’humour et du second degré qui baptisent leur groupe Electronic ? Personne ne s’attendait à une version moderne de Cream ou de l’Allman Brothers Band avec solos de guitare de quinze heures, mais ce truc là, hum … De la guitare, il faut tendre l’oreille pour en distinguer, mis à part sur le dernier titre. Il me semble avoir lu  qu’ils en jouaient, mais que ça avait été émulé, samplé, échantillonné, … et que c’était recraché par des synthés avec le son qui va avec.
Résultat des courses : à peu de choses près, ça sonne exactement comme du New Order de la même époque (si j’étais méchant, je dirais que ça prouve que New Order ne sert strictement à rien, puisque Sumner peut faire New Order tout seul, mais comme je suis pas méchant, je dis rien) et pas seulement à cause de la voix de Sumner. Tout ça pour ça ? surtout que New Order au tournant des années 90, ils étaient pas au mieux, si tant est qu’ils l’aient été un jour. « Electronic » est un disque de techno-pop qui à sa sortie sonnait déjà vieillot, c’est dire plus de vingt ans après … en tout cas, il n’a rien apporté de positif à la réputation des deux pacsés de circonstance, en cale sèche niveau inspiration.
Avant de ranger ce disque à sa place (suivez mon regard), on peut se laisser aller à écouter « Tighten up », un peu plus enlevé et poppisant que le reste, constater que les Pet Shop Boys étaient dans ce genre d’un niveau infiniment supérieur, puisque le titre (« The patience of a Saint ») sur lequel ils sont invités (compo, chant et synthés) est le meilleur du disque, et trouver amusant « Feel every beat », sorte de rap old school à guitares …
Ventes conséquentes en Angleterre, une paire d’autres disques suivront dans la décennie et n’amuseront plus grand-monde. Il semblerait que l’aventure Electronic soit terminée. Sans regrets …

THE DOORS - THE DOORS (1967)


Le début ...

Il suffira d’un signe … du destin. Et l’homme de la destinée, pour les Doors, groupe d’étudiants se produisant dans les boîtes de Los Angeles, s’appellera Arthur Lee, leader de Love. Qui les entend un soir, et fait des pieds et des mains auprès du patron de sa maison de disques, Jac Holzman, pour qu’il les signe. Ce que Holzman finira par faire en renâclant, car il déteste le groupe.
Les Doors se retrouvent donc sur Elektra en terrain à peu près hostile, et en studio pour enregistrer leur premier disque. Qui va devenir le disque emblématique d’une génération, celle du flower power, et installer les Doors sur le toit du monde rock. Pourtant les Doors ont à peu près tout faux à la base. Ils sont de L.A., et les choses en 1966 se passent à San Francisco, dans le quartier de Haight Ashbury, où sévissent Grateful Dead, Airplane, Quicksilver, … L’heure est à la planerie mystique, les Doors se présentent avec des visées littéraires (Morrison admire entre autres Rimbaud, le groupe tire son nom d’un bouquin d’Aldous Huxley, « The Doors of Perception »). Les Doors jouent du rock garage et du blues, les hippies ne rêvent que sitars, tablas et mantras …Il n’y a à peu près qu’au niveau de la consommation de drogues et de LSD que les Doors sont raccord avec le reste de la scène musicale californienne.
Les Doors sont un assemblage assez hétéroclite, trois amateurs de jazz et un de blues, Morrison, qui finira par imposer sa ligne musicale. Il faut dire que c’est le point de convergence de tous les regards. Beau gosse, il électrise le public féminin lors des premières prestations du groupe (et ce sont toujours les filles qui font le succès démesuré d’un groupe, demandez aux laiderons de Canned Heat pourquoi aucune fille n’a jamais écouté leur boogie-blues rustique et monolithique …) dont il devient le leader.
Ce premier album sans titre présente les Doors en état de grâce, qu’ils ne retrouveront qu’avec leur chant du cygne « L.A. Woman », encore meilleur … Un disque qui démarre au taquet avec « Break on through », parfaite carte de visite. Rythmique chaloupée, orgue jazzy de Manzarek, et Morrison en chanteur « habité ». Et avec l’alternance de passages calmes et de giclées de violence. Le rock’n’roll revu par les Doors. Dans la même veine, « Twentieth Century Fox », mais version « garage », avec orgue sautillant et guitare de Krieger saturée…
Les racines blues sont là aussi, avec la reprise toute en hystérie contrôlée du « Back door man » de Willie Dixon. Morrison chanteur charismatique pousse la roucoulade et les filles adoreront la douce ballade lyrique mais pas pompière (exercice difficile) de « Crystal ship », ou la planerie lysergique avec effets sonores spatiaux de « End of the night ». Ce qui permet de glisser les noms de Paul Rothchild, producteur de tous les disques des Doors sauf « L.A. Woman » et Bruce Botnick, ingé-son durant toute leur carrière.
Un disque ne serait pas emblématique du psychédélisme s’il n’y avait pas quelque titre baroque. Les prétentions littéraires du groupe lui feront reprendre en version cabaret décadent assez conforme à l’original « Moon of Alabama » de Bretch et Weil tiré de leur opéra « Grandeur et décadence de la ville de Mahagonny »
Un disque ne serait pas un best-seller s’il n’y avait pas quelque hit qui marque son époque. « Light my fire » sera un succès colossal, incontournable du Summer of Love de 67.
Enfin, un disque ne rentrerait pas dans la légende du rock s’il ne comprenait pas quelque titre hors-norme. « The End » sera celui-là. Un des premiers titres des Doors, plus improvisé qu’écrit et pierre angulaire de tous leurs concerts avant leur signature. Longue dérive glauque et hallucinée avec conclusion oedipienne. Il marquera nombre d’esprits, notamment celui de Francis Ford Coppola qui en fera le thème musical majeur de son « Apocalypse now »…
Avec ce disque, les Doors deviennent en 1967 incontournables, et marquent le retour du leadership américain sur la scène rock mondiale, dominée depuis quelques années par les Anglais (Stones et Beatles en tête …). Ils offrent une alternative très fortement électrique au rock psychédélique, leurs concerts sont à cette époque-là des événements très courus, avant que drogues diverses et les « sorties de route » qui vont avec, et auto-complaisance sabotent l’image live du groupe.
« The Doors » est un disque assez exceptionnel. Ça peut se discuter, mais certains y voient même le meilleur « debut-album » jamais enregistré (les premiers Elvis Presley, Little Richard, Hendrix et Pink Floyd - liste non exhaustive - peuvent aussi prétendre à ce titre). En tout cas disque incontournable des 60’s et du rock au sens le plus large …

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L.A. Woman